40th aniversario

El 27 de noviembre de 1968 se publicaba en el Reino Unido el álbum “The Beatles”, más conocido como el disco blanco (“The White Album”) de los de Liverpool, el décimo en su carrera y uno de nuestros discos favoritos.

Este trabajo es muy conocido por la minimalista portada, cuyo autor, Richard Hamilton, compuso con somera elegancia, a la vez que proponía el título del álbum.

También suele haber consenso a la hora de considerarlo un punto de inflexión en la carrera de los Beatles, quienes, recién llegados de la India con la maleta llena de canciones, aun no se habían repuesto completamente de la muerte de su manager, Brian Epstein, el año anterior. A esto, hay que añadir la consolidación de un personaje clave para la historia de la banda, la japonesa artista de vanguardia, Yoko Ono (“la artista desconocida más famosa del mundo...”, según el propio Lennon).

De este álbum pocas cosas podemos descubrir a estas alturas. Contiene algunas de las mejores composiciones del cuarteto, donde cada uno de los miembros demuestra su capacidad compositiva individual, alcanzando cotas difíciles de igualar, pero desencadenando una lucha de egos irreversible. Sin embargo, parece que este clima de tensión ayudó en el proceso de grabación de este álbum doble con el que alcanzarían su cima compositiva.

En el primer disco nos encontramos canciones de categoría incuestionable, como el baladón “While my guitar gently weeps” obra de Harrison, las ensoñadoras “I will”,
“Julia” (dedicada por Lennon a su tía) o “Blackbird”, además de la archiconocida, y algo trillada, “Ob-la-di-, Ob-la-da”, entre un total de diecisiete temas.

Mientras, el segundo, sin bajar el nivel, parece ganar en potencia, y nos ofrece para nuestro deleite, esa llamada a la revolución, “Revolution#1", con su secuela experimental “Revolution#9”; “Sexy Sadie” que, según Lennon, su autor, estaba inspirada en “I’ve been good to you”, de Smokey Robinson & The Miracles, nada menos. El blues británico toma forma en “Yer blues”, y el germen del heavy (eso cuentan) lo hallamos en “Helter Skelter”.

Se trata de un recorrido estilístico sin precedentes con canciones de tinte personal (“Dear Prudence” se la dedicaron a Mia Farrow, quien coincidió en sus cursos experimentales con los fab four) influenciadas, en definitiva, por su estancia en la India y también, en cierta medida, por la música de Donovan, otro compañero de andanzas orientales.

El disco, único doble en su carrera, lo orquestó y produjo George Martín quien prefería reducir el número de composiciones para grabar así tan sólo las mejores en un único álbum. El grupo se opuso y éste se publico con 30 canciones (por primera vez por Apple). Pese a ello, hubo todavía varios temas que no pasaron el tamiz de Abbey Road.

En la “Antología de The Beatles” por ellos mismos, encontramos diversos pasajes interesantes en relación con este trabajo:

JOHN: “Glass onion” es mía, una canción sin importancia, a lo “Walrus”, al estilo de todo lo que he escrito. Incluí la frase “the walrus was Paul” sólo para confundir al personal. Pude haber dicho “el fox terrier es Paul”. Un poco de poesía, eso es todo. Me reí mucho porque dijeron muchas estupideces sobre Pepper...lo tocas al revés y haces el pino y todo eso.
Durante esa época yo seguía en mi nube de amor con Yoko. Pensé en decirle algo agradable a Paul:”Enhorabuena, has hecho un buen trabajo, has conseguido mantenernos unidos durante todos estos años”. Él era quien se encargaba de organizar el grupo, y yo quise reconocérselo. Pensé:”Se lo merece, yo tengo a Yoko. Te concedo todo el mérito”.
Incluí esa frase porque me sentía culpable por estar con Yoko y abandonar a Paul. Es una forma perversa de decir a Paul:”Toma esas migajas, esa ilusión, esa pincelada, porque yo me largo”.

PAUL: Una de las cosas más atractivas del álbum era la carátula. Yo tenía muchos amigos en el mundo del diseño, y con Sgt. Pepper había trabajado con Robert Fraser. Conocía a muchos artistas a través de él, y uno de sus colaboradores en aquella época era Richard Hamilton.

Yo había asistido a un par de exposiciones y me gustaba el trabajo de Richard, de modo que lo llamé y le dije: “Vamos a sacar un nuevo álbum.¿Te gustaría diseñar la carátula?” Richard aceptó, y entonces pregunté a los otros si estaban conformes. Dijeron que si y que me encargara del asunto.

Yo iba a casa de Richard en Highgate para hablar con él del tema, y un día dijo: “Consígueme todas las fotos que tengáis de cuando erais bebés o niños y haremos un collage”.(...)
Cuando Richard hubo terminado, dijo: “Ye tenemos el póster, ¿Qué vamos a hacer sobre la carátula?¿Cómo se titula el álbum?” Luego preguntó: “¿Tenéis algún álbum titulado The Beatles?” Yo respondí que no, pero lo verifiqué porque no estaba seguro Siempre los titulábamos Beatles For Sale, Meet The Beatles, With The Beatles o algo parecido, pero no existía ninguna que se llamara simplemente The Beatles. Richard dijo que deberíamos titularlo así, y todos se mostraron de acuerdo.

Richard, que es muy minimalista, quería que la carátula del disco fuera totalmente blanca con la palabra “Beatles” inscrita en ella. Por otra parte, tenía un amigo al que le gustaba emborronar un poco los diseños con un pedazo de chocolate o lo que fuera, de modo que Richard decidió añadir una “mancha de manzana” sobre un pedazo de papel. Eso resultó muy complicado, de modo que dijimos: “Deja la cubierta completamente blanca”.

Luego se le ocurrió la idea de numerar cada álbum, lo cual me pareció interesante de cara a los coleccionistas. Habría el álbum 000001, 000002, 000003 y así sucesivamente. Si uno adquiría el 000200, por ejemplo, significaría que era un álbum antiguo, lo cual era una idea fantástica desde el punto de vista comercial. No fue fácil convencer a los de la EMI, quienes dijeron que no podían hacerlo. Yo insistí. “Es como un cuentakilómetros. No veo por qué va a ser tan complicado numerar cada disco que sacáis al mercado”. Por fin hallaron el medio de hacerlo. Creo que al cabo de un tiempo dejaron de numerar los álbumes, de modo que no todos los álbumes “blancos” tienen un número. Pero fue una buena idea y nosotros conseguimos los primeros cuatro. Creo que John consiguió el primero. Fue el que gritó más fuerte.

RINGO: Yo conseguí el número uno, porque soy un encanto. John, sin embargo, podía ser la persona más amable y cariñosa, cuando quería. No era tan cínico como la gente piensa. Yo conseguí el número uno aquí y el número cuatro en América.

GEORGE: Resultaba chocante ver a Yoko sentada todo el tiempo. No es que Yoko nos cayera mal o no nos gustara que hubiera una extraña presente, pero capté unas vibraciones que me preocupaban. Eran una vibraciones muy extrañas.

Ahora os toca a vosotros buscar esos intrigantes mensajes ocultos que, según se ha mantenido históricamente, contienen varios de los trabajos de los beatles, entre ellos el disco blanco. Avisadnos sobre nuevos descubrimientos.

Yo ya te lo dije

Gloria Fuertes

Esta ‘rara avis’ de la Literatura española nació en el madrileño distrito de Lavapiés allá por 1917. Conocida por su etapa como “poetisa de los niños” a raíz de su propia auto caricaturización tras poner letra a la sintonía del programa “Un globo, dos globos, tres globos” a mediados de los años 70, cuenta, sin embargo, con una vastísima obra de poesía para adultos de un valor considerable y marcada, en gran medida, por los dos hechos que determinaron su vida; la guerra incivil (como ella la llamaba) y la muerte de su madre.

Esta escritora autodidacta (nunca fue a la Universidad como estudiante, aunque paradójicamente, si como profesora) dotada de un estilo imprevisible, de gran originalidad y profundamente despreocupada por la rigidez estilística (hecho éste que le ha costado tantos elogios como críticas), no gozó nunca del reconocimiento que seguramente si mereció. Probablemente esto se deba a una deliberada ambigüedad política ejercida durante toda su vida. Los partidos de Izquierda la acusaban de haber trabajado con el régimen franquista (aunque fue sólo de secretaria y para poder llenar el estómago, como ella misma reconocía), pero Gloria odiaba profundamente los autoritarismos, y criticó en diferentes ocasiones a los dictadores y a sus sistemas oligárquicos (especialmente en su tertulia poética femenina “Versos con faldas”). Tal vez, la animadversión hacia la poetisa también se deba a las reiteradas críticas de la misma hacia algunos altos cargos socialistas de la primera época (democrática, se entiende) algo propensos a hinchar sus bolsillos excesivamente.

Por su parte, la Derecha desconfiaba de una autora homosexual (creía que los homosexuales irán al reino de los cielos) tan contestataria y rebelde que cuestionaba, siempre a su manera pero constantemente, el orden establecido. Gloria Fuertes siempre estuvo del lado de los más débiles, de los desahuciados, y siempre presumió de su origen humilde, de su pertenencia a la clase obrera con la que se sentía profundamente identificada y a la que dedicó gran parte de su obra.

Es por eso que Gloria Fuertes use habitualmente un lenguaje coloquial en su poesía, un lenguaje de la calle y casi infantil en ocasiones, que sabe mezclar con total naturalidad con otros tonos burocráticos, formales e incluso religiosos.

Pese a abordar el tema de la soledad y la amargura (incluso la muerte está muy presente en su obra) en muchos de sus poemas, suele hacer que su optimismo venza a esos estados de ánimo quizás tan asumidos, que despoja de su solemnidad en cualquier momento con ese coloquialismo siempre, a la postre, vencedor. Dotando en cuanto le es posible a los hechos cotidianos de un nuevo significado, de una nueva esperanza bajo ese manto de sencillez.

Gloria Fuertes tenía también un punto de vista profundamente femenino de la vida, maternal en muchas ocasiones. Desbarata los clichés del amor (bueno, y todos), odia la institucionalización de las relaciones personales, pues considera que el amor no lo debe organizar la sociedad, sino que debe fluir de un modo natural. No entiende la monogamia y aboga por un “carpe diem sentimental” que venza al dolor de saber con certeza que la relación en que estemos inmersa no tardará en terminar.

Pese a ello, su postura no es la de una feminista radical, sino que se encuadra en una moderación que busca la mejora social no sólo para la mujer, sino para todos los desfavorecidos, para todos los que, como ella, provienen de las capas más humildes de la sociedad, algo que se evidencia en su obra. Ella llega a considerarse “...más pacifista que artista. Más humanista que feminista...”.

Su autor preferido fue Unamuno, aunque además podemos citar entre sus influencias la poesía de la Edad de Oro (con Góngora a la cabeza), Gil de Biedma, Rosalía o Machado, pero también autores religiosos como Sor Juana o San Juan de la Cruz a quien dedicó un poema dirigiéndose a él como Juanito. Sin embargo, pese a tener presente la tradición religiosa, Gloria Fuertes en su poesía hace un canto a la vida en la tierra, y desconfía de la ortodoxia religiosa de misa dominical y rectitud impenitente. A ella, sencillamente, le cae bien Jesucristo porque ayudaba al necesitado y era, como ella, de origen sumamente humilde.

Porque lo que Gloria Fuertes hacía era eso, ayudar con su poesía a los demás, acercarla al que la necesitaba. Siempre con su visión femenina y la mirada puesta en los más sencillos, en la clase obrera más explotada, sin significar esto que el pesimismo inunde su obra, pues ella de origen también humilde (“nací para puta o payaso”) mantiene un optimismo vital y pone buena cara a la vida, animando a sus lectores a imitarla.

La suya es una sabiduría de calle, optimista. Nadie es malo por naturaleza (como bien decía Rousseau), sonríe a la vida, y así se expone a los demás, le hagan caso o no. Lo suyo son ansias de libertad para ella y sus semejantes. Con todo, esto no hace de ella una mojigata inocente, Gloria Fuertes también sabía sacar el carácter, y lo hacía a menudo.

Gloria Fuertes buscó siempre la complicidad de sus lectores. Su poesía obligaba a poner mucho de uno mismo, a reinterpretarla. Es una literatura de doble lectura en contra del cliché, que requiere ser releída para dar con esa interpretación menos ingenua, más profunda, cuestionando a su manera el orden establecido, porque su poesía, como bien se encargó de advertir, era una poesía muy trabajada, con unos versos estudiados metódicamente, pese a su aparente desaliño e improvisación.

Gloria Fuertes murió tal día como hoy hace diez años víctima de un cancer de pulmón (era una ávida fumadora), y en un acto de coherencia propio de alguien como ella, donó 110 millones de pesetas que había ganado en apariciones públicas a una institución infantil, devolviendo a los niños lo que les correspondía, pues fue gracias a ellos que amasó esa cantidad de dinero. En la Fundación, que lleva su nombre, se encuentra su archivo, cerrado al público, que recoge centenares de inéditos y hasta 12000 papelitos, pues solía escribir en cualquier circunstancia (y a diario).

Para terminar os dejamos con esta autobiografía de la poetisa madrileña.

Gloria Fuertes nació en Madrid
A los dos días de edad,
Pues fue muy laborioso el parto de mi madre
Que si se descuida muere por vivirme.
A los tres años ya sabía leer
Y a los seis ya sabía mis labores.
Yo era buena y delgada,

Alta y algo enferma.
A los nueve años me pilló un carro
Y a los catorce me pilló la guerra;
A los quince se murió mi madre, se fue cuando más falta me hacía.
Aprendí a regatear en las tiendas
Y a ir a los pueblos por zanahorias.
Por entonces empecé con los amores,
-no digo nombres-,
gracias a eso, pude sobrellevar
mi juventud de barrio.
Quise ir a la guerra, para pararla,
Pero me detuvieron a mitad del camino.
Luego me salió una oficina,
Donde trabajo como si fuera tonta,
-pero Dios y el botones saben que no lo soy-.

Escribo por las noches
Y voy al campo mucho.
Todos los míos han muerto hace años
Y estoy más sola que yo misma.
He publicado versos en todos los calendarios,
Escribo en un peridico de niños,
Y quiero comprarme a plazos una flor natural
Como las que le dan a Pemán algunas veces.

Antonio

Música & Drogas II

“Las drogas en el punk británico. Suciedad, Furia y Velocidad” (II) (por Diego Manrique Núñez)

Las visitas a Inglaterra en 1976 de los Ramones y Johnny Thunders & The Heartbreakers (la mitad de los New York Dolls más el es Television Richard Hell) prendieron la mecha de un movimiento en pañales. Pero no sólo en lo musical: en el círculo neoyorquino la heroína estaba ampliamente arraigada y los ingleses también quisieron imitar esa parte. “Yo fui quien le hizo probar la heroína a Johnny Roten, el primero que le inyectó. No estoy orgulloso de ello. No me gustó, y no volví a hacerlo con nadie. Yo presenté a Nancy y a Sid, y fue ella quien incitó a Sid a Probarla. Una vez, pinché a Sid hacia atrás, con la aguja apuntando a la vena de arriba abajo, y él no sabía que se pudiese hacer eso. Estaba asustadísimo, pero no se atrevió a decir nada. Lo de los Pistols era teatro (...) Eran unos críos. Nosotros éramos mucho mayores. Cuando llegaba el momento de poner el instrumental sobre la mesa y calentar el caballo, se acojonaban”contó Jerry Nolan, batería de los Heartbreakers en Por favor, mátame, la bíblia del punk americano.

Entran aquí a escena dos iconos fundamentales: Sid Vicious y Nancy Spungen. Vicious no cogió el bajo en los Pistols hasta principios de 1977, sustituyendo a Glenn Matlock, pero antes ya estaba metido en el mundillo. Dee Dee Ramone también lo conoció en 1976, poco después del seminal concierto de los Ramones en el Roundhouse londinense: “Alguien me preguntó si quería algo, y dije ‘si, un poco de speed’. De repente, me encontré con un enorme montón de speed en las manos. Entonces Sid sacó una jeringuilla, introdujo en ella una buena cantidad de speed, metió la aguja en el retrete lleno de vómitos y meados y la cargó. No lo calentó. Lo movió un poco, se lo clavó en el brazo y despegó”.

También Nancy era un personaje de Nueva York: groupie, bailarina de striptease, yonqui y prostituta ocasional, llegó a Londres pesiguiendo a los Heartbreakers, pero allí encontró a Sid y quedaron unidos hasta que la muerte los separó. La tormentosa relación de Sid y Nancy se basaba en gran parte en el consumo de heroína, lo cual, evidentemente, no favorece la implicación de Vicious en unos Sex Pistols que en noviembre de 1977 ya eran número uno en Gran Bretaña con su debut, Never mind the bollocks. Malcolm McLaren llegó a intentar el secuestro de Spungen para llevarla a Estados Unidos y alejarla de su pupilo, pero no sirvió de nada. Si acaso, para unir más a la pareja tóxica. Ya en 1978, los Pistols marcharon a su primera gira norteamericana, que acabó en un fenomenal caos –como ya había pasado en su Anarchy in the UK tour- y en la separación del grupo. Nancy y Sid cada vez estaban más colgados, y él sufrió, nada más romper con los Pistols, una sobredosis. El 12 de octubre, Sid fue detenido por haber asesinado a Nancy con un cuchillo en el Hotel Chelsea de Nueva York. Negó ser el autor (dijo haber estado durmiendo en la bañera, demasiado puesto, mientras Nancy moría) y salió de la cárcel pagando una fianza, pero no pudo llegar a demostrar su inocencia: el 1 de febrero de 1979 fallecía tras inyectarse una dosis excesiva de heroína muy pura.

La muerte de Sid y Nancy significó también el final de la época más brillante del punk británico –salvo los Clash, el resto de los grupos fueron cuesta abajo, y para 1985 casi todos se habían separado- y el comienzo de muchas muertes debidas al caballo. El caso más dramático fue el de los Pretenders: en 1982 moría James Honeyman-Scott, y en 1983 el bajista Pete Farndon, después de meterse una speedball de heroína y cocaína.

Al analizar lo ocurrido en esos años, sorprende el cinismo de Malcolm McLaren:”¿De verdad que se pinchaban en los lavabos mientras yo me ocupaba de todo? Yo no sabía nada. Por lo que respecta a las drogas, yo no tenía ni idea de lo que tomaban” (Por favor, mátame). Johnny Rotten, el líder de los Sex Pistols que se vio amenazado por el desaliñado carisma de Vicious, al menos ha reconocido saber lo que pasaba, aunque con la ironía y aires de superioridad marca de la casa: “No hay personalidades adictivas. Hay personalidades vagas, gente que se hace dependiente de algo que no necesita realmente. Y Sid era de ellos, y además tenía un tremendo problema de ego. No pudo superarlo, y lo peor es que se ha creado alrededor de su muerte toda una cultura en la que las bandas piensan que ser un yonqui es fantástico y que la muerte es el único final fabuloso”. Implacable y consumidor de speed en su momento y de alcohol siempre (“el alcohol no es un problema”) su tanteo con la heroína antes relatado también recibe una tajante opinión: “Es una mierda. Todo el mundo se metía y yo estaba en contra, pero me decían que no podía opinar si no lo probaba. Bien, lo probé, no una sino dos veces y lo odié. Es una estupidez, una droga de perdedores”.

También los Clash tuvieron enormes problemas con el caballo. En 1982 tuvieron que despedir a Topper Headon , batería que llevaba desde 1979 enganchado, en 1981 ya tenía que consumir 100 libras al día (“para estar normal”, en sus palabras), y a finales de ese año fue detenido en el aeropuerto de Heathrow tratando de pasar una pequeña cantidad. Mick Jones, el genial guitarrista de los Clash, había sido también arrestado, en 1978, aunque por posesión de cocaína. Fue éste un caso único de esos años: la cocaína iba contra los principios punk, era la droga de las decadentes y viejas estrellas de rock (las cosas cambiarían según comenzara la década de los 80, y su uso se generalizará , incluso la combinación con el caballo en las speedballs ya mencionadas). También los alucinógenos estaban pasados para los punks, eran cosa de hippies, aunque gente como Pete Shelley, el cantante de los Buzzcocks, estuvo una época muy pillado con el LSD.

Fueron, sin duda, dos de las drogas que protagonizaron el punk inglés: el speed, que lo propulsó, y la heroína, que lo mató.

Ya es Navidad

Ya falta menos para que nuestros hogares se llenen de paz y armonía (cuando oigo a los niños de San Ildefonso, entónces es Navidad) , para que nos demostremos unos a otros el profundo amor que nos profesamos, lo mucho que disfrutamos en compañía de la familia...esa noche (y con los estómagos destilando los más exquisitos néctares, que degradan a la ambrosía a mero aperitivo frugal)....
...

Hoy, 25 de noviembre, a un mes vista para la fecha más hipócrita del año, nos vemos plenamente imbuídos en la vorágine consumista. Es cierto, este año los ingresos serán inferiores debido a la consabida crisis (¿os suena?), pero, ajenos a la misma, el pasado fin de semana unos conocidos grandes almacenes daban el pistoletazo de salida a la campaña más ambiciosa y despiadada de todas las que nos seducen a lo largo del año, decorando sus establecimientos e iluminando sus fachadas. Si, ya es Navidad en el Corte Inglés (¡uy!), y, por ende, en todos lo hogares españoles (madre mía ¿Sabes a cuánto están las angulas en el Mercafour?, Yo el marisco lo compré en noviembre, no sabes lo que te ahorras...).

La Navidad es, en principio, una fiesta cristiana. Aquella que celebra el nacimiento de Jesús en Belén. Si, exactamente, Jesucristo, ese personaje harapiento y andrajoso, humilde hasta decir basta que pasó su vida rodeado de semejantes, procurando su bienestar, comiéndoles, en cierta medida, el tarro, e incluso convirtiéndoles el agua en vino (gran pasaje aquél), que estoy convencido que en estos días no tendría la tarjeta VIP de ningún emporio comercial...

Sin embargo, ahí están (y estarán), todos en la calle (con sus devotos feligreses encabezando la campaña), compitiendo codo con codo por demostrar sobradamente el amor que profesan a los suyos (como no le guste me lo tira a la cara...), buscando el vestido perfecto para lucir en nochevieja (Feliz entrada y salida de año), masticando cada grano de uva (con las bragas rojas, por supuesto) en un acto de suprestición pagana incongruente (jaja, qué cara ha puesto la abuela) y con la habitación llena de confeti el primero de Enero (yo creo que pusieron garrafón, de otra manera no lo entiendo)..

Después, tras la resaca, llegan los Reyes Magos, sus majestades, batiéndose un año más el cobre en una encarnizada contienda con Santa Claus (es rojo por la cocacola, antes era verde, blablabla), cargados de regalos cada vaz más originales (¡¡¡¡que guay, justo la controladora Sunix 3710 basada en el chip SiI68o de Silicon Image que quería!!!), que vienen acompañados por un delicioso roscón (¿ves? por ahí si...), ¿Has sido bueno este año?.

Y tras el caos desenfrenado, llega la calma más absoluta, la recapitulación, la crítica (menuda se puso tu hermana. Pues, para el dinero que tienen, vaya mierda de regalo), y al fondo, amenazante, desalmada e inevitable...la cuesta de Enero (ya queda menos para las rebajas).

Nada, chicos, si hibernar no es la opción elegida este año y afrontáis estas fechas con la abnegación habitual, desde aquí os recomendamos que uséis vuestro sentido del humor, que os deshagáis en piropos hacia los vuestros, que bebáis más vino que nadie, que soltéis la lagrimita más sincera al abrazaros a aquel tío (¿pero también bebe ginebra?) que os jura y perjura, entre pucheros, que sois su sobrino preferido, que saquéis, en definitiva, lo positivo que en estas fechas, sin duda, podemos encontrar (escarbando, escarbando...).

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Pero, mira como beben...

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Antonio

Aire Fresco

Hoy, desde "Yo ya te lo dije", os queremos recomendar a dos bandas emergentes. Ambas vienen del Norte y acaban de publicar sus respectivos discos de debut, se trata de Indienella y Pickpockets.

Indienella proceden de Gijón, son Sofía Pedreira (voz y batería) y Luis Mayo (guitarra, bajo y voz), y han autoeditado su estreno, que se llama como ellos, “Indienella”, exclusivamente en vinilo y en una edición limitada de 500 copias cuidadísima.

Grabaron su primera maqueta en Abril de 2006 (en los estudios de Jorge Explosión, Circo Perroti, producidos por el mismo Jorge), quedando con ella en el sexto lugar del concurso de maquetas del Contempopranea 2007. Aparecieron posteriormente, además, en diversos recopilatorios ("Diversiones",“U-9”, “Lolitas, vol.6” y “Pop a Porter”).

Indienella facturan en apenas veinte minutos (es un LP a 45 rpm) diez pildorazos de punk pop lo-fi vigoroso, fresco y muy personal, con marcadas influencias muy bien asimiladas. Ellos mismos citan entre éstas a Guided by Voices, Beat Happening o The Gories, aunque bien podríamos añadir nosotros a Hello Cuca, TCR o Iluminados.

Esta pareja son como unos White Stripes asturianos (a mí me gustan más), con Sofía cantando desde detrás de la batería y con Luis, quien dirige desde hace años el programa de radio “Otra dimensión” en la RTPA, dándolo todo a la guitarra.

“Mundo pop”, “Noche de los muertos vivientes”, “Ocho menos diez”, “Hoy te veré” o “Luz de gas” son sólo algunas de las sensacionales canciones que Indienella os proponen para olvidar la crisis, el invierno o la preocupante inmediatez de la navidad. En definitiva, banda más que prometedora que en directo (según nos comentan) ofrece un torrente fantástico de melodías frescas y arrebatadoras.

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Juan de Pablos está entusiasmado con ellos, y tú, en cuanto los escuches, también lo estarás. Esperamos poder verlos pronto por aquí.

Por su parte, desde León nos llega “Underworld”, el debut de los Pickpockets, otro soplo de aire fresco dentro del panorama pop facturado dentro de nuestras fronteras, en este caso, power pop con reminiscencias del revival mod y la new wave.

Se trata de un trío compuesto por Jorge, Carlos y Jacob que se formó allá por 2004 y que encuentra su origen en los Flamarions, ya que sus tres componentes proceden del veterano conjunto de rock ignominioso. En marzo de 2005 grabaron su primera maqueta bajo el nombre de Pickpockets.

El disco está autoeditado, grabado entre el estudio de Jorge, guitarra y voz principal de este trío hipervitaminado y los Feedback Studios y, como en el caso de Indienella, con tan sólo 500 copias disponibles (cd). Canciones que, en su mayoría, no superan los tres minutos y que deberían ser las que salvaran la noche de muchos aficionados al pop si hubiese justicia, son los ingredientes principales de "Underworld"

Ecos de los Jam y del revival, de los Only Ones, de los Jacobites, de los Nerves, o de los Smithereens vienen a la mente del avezado oyente de este grupo leonés. Incluso, llegan a recordar el desparpajo pop de Substitutos o la vitalidad garajera de Doctor Explosión y Art School.

“Payin’ my rent everyday” es una de mis canciones de este mes, además viene abrigada por otros doce cortes, como doce soles, de guitarras desenfrenadas, melodías impecables y buen gusto, entre las que destacaría “I’m in love with you”, “Hail to me”, “Never see me again” o “Tougher Skin”.

Si vas a León, los encontrarás en el Mongogo disfrutando de alguna canción de los Chords, o de los Plimsouls. Acuérdate de encargarles su próximo trabajo, pues parece que ya disponen de las canciones listas para que sean inmortalizadas.

Leído esto, ¿No os apetecería un cartel que uniese a estos dos grupos (y a Chiquita & Chatarra de los que os hablaremos próximamente) sobre algún escenario cercano?

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Antonio

Música & Drogas I

El 17 de Diciembre de 2003 salía a la calle un número especial de la revista de la cultura del cannabis CAÑAMO. Se obsequiaba en esta ocasión a los compradores con un disco exclusivamente grabado por Los Planetas para la ocasión, titulado “Los Planetas se disuelven”. Se trataba, como decía, de un número especial que bajo el título “Música y Drogas” analizaba la relación que ha existido históricamente entre el consumo de determinadas sustancias y la composición e interpretación musical.

Es una publicación sin desperdicio, dividida en diferentes capítulos y que nos sorprende (relativamente) aclarando, sin tapujos, la enorme influencia que ha supuesto para muchos músicos en su carrera musical la presencia en su vida de las drogas. Músicos que van desde antiguos chamanes a los djs actuales, pasando por compositores clásicos (Berlioz, Wagner o Richard Strauss), hasta llegar a los actuales grupos indies patrios, habiendo analizado antes a gran cantidad de grupos de los años sesenta y setenta, la escena de Manchester, los pioneros del Jazz y del soul o estrellas del flamenco, entre otros.

Es un documento de gran interés, y si os quedasteis en su día sin vuestro ejemplar, desde “Yo ya te lo dije” os queremos resucitar algunos de los fragmentos más interesantes.

Para empezar os dejamos con la primera parte del capítulo titulado: “Las drogas en el punk británico. Suciedad, Furia y Velocidad” (I) (por Diego Manrique Núñez)

El punk estalló en el Reino Unido como una bomba. Los británicos no lo inventaron, desde luego, pero moldearon los fundamentos que llegaron de Estados Unidos hasta convertirlo en lo que luego sería su modelo más reconocible: Música rápida y feroz que expresaba la rabia de una generación de chavales desorientados, en medio de la peor crisis vivida por el antaño poderoso Imperio Británico.

El clima social era el adecuado, y también lo era el musical: los viejos dioses rockeros de los sesenta estaban acabados y/o excesivamente endiosados. De Norteamérica llegaba el eco de un excitante nuevo rock creado por los Ramones, los New York Dolls o –unos años antes- Iggy Pop y MC5. Sólo hacía falta que alguien mezclara estos elementos a la manera inglesa. Ese alguien fue Malcolm McLaren, un inteligente y maquiavélico terrorista cultural que había echado el ojo a las posibilidades de este movimiento cuando vivió en Nueva York . Hacia el final de 1974 fue manager de unos agonizantes New York Dolls, rotos por la heroína y el alcohol, y les convenció para cambiar su imagen y que aparecieran en escena ante banderas de la URSS y la China Comunista. Era una provocación de tintes políticos similar a las que a partir de 1976 usaría con los Sex Pistols, el grupo que formó con varios chavales que pululaban por Sex, la tienda de ropa que dirigía en King’s Cross, Londres (y por la que también andaban gente como Siouxie Sioux, Chryssie Hynde o Billy Idol, más tarde estrellas del punk –o del post punk- en Siouxie & The Banshees, Pretenders o Generación X).

Los Pistols fueron los responsables de la creación de una escena punk mucho más agesiva que la estadounidense: si las letras eran furibundas proclamas nihilistas, los conciertos eran orgías de escupitajos, pogo brutal y, muy frecuentemente, peleas a puñetazos. La violencia era consustancial a la situación social, pero también influían ciertos factores de consumo, pues unida a la ancestral cultura inglesa de la cerveza, estaba la tradición anfetamínica: era la droga de los teddy boys en los 50 y, sobre todo, la de los mods desde los 60. A mediados de los 70 la anfetamina ya no se tomaba en pastillas desviadas de su destino farmacéutico, sino en speed cocinado para su venta en la calle.

Es obvio que el speed era la sustancia idónea para una música rápida y furiosa, y no sería muy arriesgado afirmar que fue el combustible que también impulsó a importantes bandas surgidas a rebufo de los Pistols, como los Buzzcocks (su primer ep, Final Scratch, contiene varias referencias de su cariño a las anfetaminas), los gamberros Damned (y su oda psicoactiva “So messed up”) o los Pretenders (la leyenda cuenta que el guitarrista James Honeyman-Scott recibió speed como pago a sus primeras sesiones de grabación). Ni siquiera los Clash, único grupo que pudo competir con los Sex Pistols mientras estos duraron, tan concienciados como eran se resistían a los encantos de las anfetas en polvo. Su políticamente correcto lider, Joe Strummer, conocido (e incluso arrestado) por su pantagruélico consumo de marihuana, recordaría años después los efectos de su afición por el speed hacia 1977:”Tenía unos bajones en los que me hubiera machacado la cabeza con un martillo. Llegó un momento en el que el subidón no merecía la pena”.

Un personaje del entorno de los Clash, Alan Drake, resumió años después, en declaraciones para una biografía del grupo, Last Gang in Town, la importancia del speed en la escena:”Todo el mundo usaba drogas. Y en ese momento era speed, speed y más speed. Si no hubiera sido por el speed, la mitad del punk no hubiera ocurrido”. Pese a que todo el mundo consumía, algunos pasotes no eran permitidos. Así, Keith Levene, guitarrista fundador de los Clash (y luego compañero de Johnny Roten en PIL), fue expulsado en un confuso episodio: Levene se metía speed por vía intravenosa, y sus compañeros pensaron que se trataba de heroína. No lo era, pero no tardarían en verla de verdad.

Clásico básicos (o no)

.......
........Gene Clark. White Light, 1971

Cada cierto tiempo, artistas o grupos son redescubiertos, alcanzando un estatus del que no gozaron en su momento, Nick Drake , Gram Parsons , Big Star o The Velvet Underground son solo unos ejemplos (unos grandes ejemplos), Gene Clark no.

Gene Clark alcanzó el éxito con los dos primeros álbumes de los Byrds, Mr Tambourine Man y Turn,Turn Turn , siendo el primer y gran compositor de la formación, abandonando el grupo poco antes de comenzar la grabación del lp 5D y dejando como último legado la canción “Eight Miles High “ , una de las obras fundacionales y fundamentales de la psicodélia y de toda la historia del pop.

Tras esto comenzó una carrera en solitario y reuniones esporádicas con sus antiguos compañeros de viaje donde el éxito y el reconocimiento siempre le fueron esquivos. Aun dejando un legado en forma de canciones y discos solo al alcance de unos pocos, Clark uno de los padres del country-rock , de la psicodélia, un orfebre del rock, solo obtuvo año tras año la más absoluta de las indiferencias de un público, el americano, que le había dado la espalda definitivamente, quizás por unas obras pobremente promocionadas, quizás por su reticencia a presentarlas en directos.

Por eso no es muy difícil imaginar el estado anímico en el que comenzó a trabajar en marzo de 1971 en lo que era su tercer álbum en solitario, el primero bajo su propio nombre, mitad esperanza (en aquellos días triunfaban en las listas artistas como Neil Young o Cat Stevens de sensibilidad análoga a la suya) mitad hastío.

Ayudado en la producción por el gran guitarrista Jesse Ed Davids , un nativo americano con el que compartía una afición desmedida por el alcohol, Clark elabora un disco de tan solo 9 canciones, eminentemente acústico, de arreglos casi minimalistas (harmónica, percusión, guitarras, rara vez teclados), donde ya la portada avisa al oyente lo que se va a encontrar en su interior. En ella apenas se puede distinguir la lejana silueta del autor dibujada por un sol del crepúsculo y donde simplemente se lee Gene Clark.

White Light es un disco desnudo, no solo en instrumentación (dejando a la voz de su autor como gran protagonista), sino también en unas letras que a veces respiran despreocupado romanticismo y otras suenan brutalmente sinceras, casi atroces, en boca de alguien que años mas tarde murió solo, arruinado y alcoholizado, y que miran de tu a tu a su gran referente Dylan (cuya sombra planea por todo el álbum) incluso haciendo suya “Tears Of. Rage “, obra del de Duluth extraída de las Basement Tapes.

Pero aun siendo todas las canciones excepcionales, desde la country” The Virgin” a la más pop “1975”, si algo hace especial a este álbum son tres de sus composiciones,” One in a Hundred” ,”With Tomorrow” y “For a Spanish Guitar”.

La primera “One in a Hundred “, un intento fallido un par de años atrás de nuevo single de los Byrds , aquí mas cercana al sonido de su próxima obra maestra “No Other”, un glorioso ejemplo de la Cosmic American Music por la que Gram Parson hubiera matado.

Pero sobre todo, las otras cumbres del disco,”With Tomorrow” y “For a Spanish Guitar”, donde la poesía y la voz descarnada de Clark trasmiten todo el dolor y desesperanza de una vida envueltas en unas melodías que resquebrajan el alma, llegando a unas cotas que ni siquiera Dylan ni Young han logrado alcanzar, lastrados quizás por unas aptitudes vocales menores a las del autor de “Eight Miles High”.

El disco, editado en agosto de 1971, fue un rotundo fracaso en ventas (excepto en Holanda donde curiosamente tuvo una cierta repercusión) en lo que colaboró su discográfica A&M. Esta se mostró reticente a promocionarlo bajo el nombre de White Ligth debido al posible equivoco con la frase white line y que pudiera ser relacionado con las drogas (de ahí que el disco también se conozca como Gene Clark a secas).

Tras esto, un nuevo disco con los Byrds, un errado canto de cisne de la formación original donde las composiciones de Clark vuelven a brillar sobre el flojo nivel general. El álbum no tuvo el éxito que se prometía pero sirvió para que el sello que había lanzado el Lp, Asylum, depositara la suficiente confianza y dinero para la realización de su próximo disco, el más ambicioso de su carrera. Se llamaría No Other.

César

El eterno retorno

Se publicaba ayer en diversos medios de comunicación la siguiente noticia:

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El pueblo de Hamelín, acosado por las ratas

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AFP BERLÍN

El pueblo alemán de Hamelín, que según la fábula fue liberado de las ratas por un flautista, se ha convertido realmente en presa de los roedores, según han reconocido hoy las autoridades municipales.

En los últimos tiempos, el número de ratas en la periferia de esta pequeña localidad del Oeste de Alemania se ha multiplicado a causa de un vertedero próximo a unos jardines, ha informado el ayuntamiento.

Una nueva zona de viviendas junto a estos jardines ha sido invadida por las ratas y sus habitantes no saben cómo deshacerse de ellas. Las autoridades locales no pueden echar veneno en los jardines para acabar con la plaga.

Según la leyenda, recogida por los hermanos Grimm, un flautista eliminó todas las ratas del pueblo hace 724 años logrando que los animales se ahogaran en el río Weser. Sin embargo, sus habitantes se negaron a pagarle y él se vengó secuestrando a todos los niños, que siguieron su música.

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....Ahora lo sabemos, 724 años tarda en diluirse un trabajo bien elaborado, como el de aquel virtuoso flautista. Actualmente, y gracias a la “evolución sistemática” que vivimos, dudo que fuera la música la que, después de ahuyentar a los roedores, pudiese arrastrar también tras de sí a los jóvenes infantes alemanes. Tal vez un videojuego, un teléfono móvil, o una cocacola...y colorín, colorado.

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(he considerado oportuno hablar de ratas un día como hoy)

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Antonio

Sixties Rock Weekend

Ya disponemos de la totalidad del cartel del Sixties Rock Weekend de Castellón y ¡Oh! nos encanta... Un cartel muy completo que promete momentos estelares para los amantes de la música facturada en los sesenta. Estos son los grupos que veremos en el Auditori y Palau de Congressos de Castellón.

Podemos dividir la programación en varios bloques. En primer lugar nos encontramos con grupos de guitarras potentes, de rock y garage sudoroso, como el caso de los veteranos suecos The Diamond Dogs, los madrileños Zodiacs y sus vecinos y algo más contenidos The Zombie Valentines, además de unos The Gurus, asiduos a festivales de esta índole y que parecen haber endurecido, en cierta medida, su sonido.

Después tenemos los grupos de sonido, llamémosle, negroide, los más funkys The Right Ons y los castellonenses Miss Black Emotion que nos harán bailar con sus revisiones de piezas legendarias y temas propios, además de Fortune Tellers, a quienes incluimos en esta sección sin temor a equivocarnos, muy buenos.

En cuanto a grupos de sixtie pop más hortodoxos, tenemos a Chest, pletóricos desde Barcelona, a los incombustibles Los Imposibles, que puede que nos brinden uno de los momentos álgidos del evento, los más psicodélicos Stay (con flamante nuevo single bajo el brazo) y otro de los platos fuertes, el regreso de Los Buhos (¿Recordáis "6t's girls"?) haciendo las delicias de sus paisanos.

Nos dejamos para el final a una de nuestras grandes apuestas, The Madd, beat pop, melodía, imagen y actitud desde Holanda, rodeado todo ello por lo que realmente importa un puñado de canciones absolutamente redondas (versión de Brigands incluida).

Además, disfrutaremos de allnighters, mercadillos, cine, scooter run...en definitiva, no tenéis excusa para no asistir.

Información más detallada próximamente en: http://www.sixtiesrockweekend.es/

Yoyatelodije

Sólo vale mirar adelante

Ante la oleada indiscriminada de reuniones de antiguas leyendas, y no tanto, de grupos que, en algunos casos, un día significaron algo, y que son capaces de dilapidar su legado en apenas unos minutos (incluso sus dos compañeros en The Jam regresaron en forma unos grotescos From The Jam), Paul Weller fue preguntado por la Revista Mojo en la presentación de su último disco, el fantástico "22 dreams", acerca de la posibilidad del retorno del mítico trío al completo, a lo que el modfather respondió:

“¿Resucitar a The Jam? La marcha atrás no es una opción, solo vale mirar adelante. Somos mods, ¿lo entiendes? Yo me lo tomo en serio”.

Actitud, queridos amigos, actitud. No le déis más vueltas, Paul Weller aún sabe lo que hace, permanezcamos atentos...

Antonio

Arthur Conley

Si no sucumbistéis a la tentación de llevar a cabo "la idea" que os proponíamos recientemente de encabezar la revolución desde vuestros puestos de trabajo (los que lo tengáis), y a día de hoy seguís aguantando el peso de un sistema opresivo y alienante, tal vez hoy lunes estéis con ese síndrome de inicio de semana que solamente se cura con la llegada del jueves por la tarde (cuando ya despunta el viernes en el horizonte)...

Para todos vosotros, para haceros olvidar los males y esbozar vuestra mejor sonrisa os proponemos hoy desde "Yo ya te lo dije" otro de esos clásicos del soul que tanto nos gustan y que nos hará recordar a este soulman cinco años después de habernos dejado para siempre.

El 17 de Noviembre de 2003 moría Arthur Conley en Ruurlo, Holanda, debido a un cáncer intestinal a los 57 años de edad.

Los discos de Arthur Conley no son objeto del deseo de los más ávidos coleccionistas de soul, no se pagan por ellos cifras astronómicas y es, a veces, denostado entre las élites más snob de seguidores de la música negra. ¿La razón? Sus canciones se radiaban demasiado.

Ellos se lo pierden, porque este protegido de Otis Redding fue un gran interprete, con auténticos trallazos como el "Sweet Soul Music" que hoy os proponemos como remedio para todas vuestras aflicciones.

Antonio

Psicodelia Amarilla

Rafa Skam es infatigable. Es un personaje polifacético y vive el POP con un entusiasmo encomiable. Tiene hasta cinco bandas, se presenta bajo dos seudónimos para ejercer de pinchadiscos y dirige el mítico fanzine “El Planeta Amarillo”. Además, se refugia en Internet en http://www.yellowmelodies.com/ y aparece como protagonista hasta cinco veces en myspace. Rafa trabajó con Elefant Records durante una larga temporada, y al dejarlo creyó que ese vacío debía llenarlo de algún modo y lo hizo creando el sello Discos Imprescindibles. No se pierde un festival, convirtiéndose en el fotógrafo entusiasta de todos ellos.
Un historial que apabulla. Pero lo que ahora nos trae a Rafa hasta “Yo ya te lo dije” es la inminente publicación del cuarto álbum de su proyecto más psicodélico, The Yellow Melodies, que verá la luz gracias al nuevo sello andaluz Clifford Records (será su primera referencia). Echad un vistazo a su nuevo video, “Mr.Sand and Mrs.Sea”, y seguro que os entrarán unas ganas tremendas de que llegue el próximo 24 de Noviembre, fecha de lanzamiento de “The Championship Cup”.

Pregunta. Rafa, sabemos que eres muy futbolero. Publicar un álbum llamado “La Copa de Campeones” el año en que la selección se ha hecho con el título continental, ¿es mera coincidencia? ¿o queréis homenajear desde tu banda a los campeones? Por cierto, ¿Lo celebraste por todo lo alto, tal y como parece desprenderse del vídeo de “The Championship Cup”?

Respuesta. Sí, llevas razón, soy muy futbolero, y no me pierdo cada fin de semana los partidos de mi equipo, el Real Madrid, aunque este año vaya fatal. “The championship cup” ha venido al pelo este año por lo de la Eurocopa, debían haberla hecho sonar en la tele cuando ganamos! Más que un homenaje se trataría de una premonición, ya que la canción fue antes que el campeonato. La verdad que no me podía creer que ganáramos... fue increíble!

P. ¿Cómo es la grabación de un disco de The Yellow Melodies?

R. Pues últimamente muy larga, sin llegar a perder frescura. Primero ensayamos las canciones y las premaquetamos en un 16 pistas digital que tengo en casa, de cara a sacar arreglos para las canciones. Luego nos vamos a un estudio de los de verdad, a PM, con nuestro amigo Pepe Moreno, y las grabamos instrumento por instrumento. Por último, vamos ajustando las mezclas hasta que nos convencen cómo quedan.

P. Sólo sacáis el disco en vinilo (10’’) ¿Cómo convencerías a aquel que no tiene ni plato para hacerse con uno para poder así escuchar vuestro flamante disco?

R. Aparte de que un vinilo suena siempre mejor que un cd, se puede tocar, oler, mirar... yo me lo compraría tan sólo por la portada, que es una pasada, de las más bonitas que he visto en los últimos años, obra de Luis Calvo (Elefant Records). Comprarse el disco de THE YELLOW MELODIES puede ser la excusa perfecta para comprarse un plato (hay un montón en Ebay) y empezar a disfrutar de la música en su formato natural.

P. Continuáis con esa marcada influencia británica, sin embargo ahora parecéis abrazar más la psicodelia ¿Qué hay de cierto en ésto?¿Se quedó enganchado en tu reproductor el “Faintly blowing” de kaleidoscope?

R. La psicodelia es una de nuestras mayores influencias. Es normal que algún día se notara en el sonido. Acabo de poner el disco que dices a bajar en la mula, no lo conocía.

P. ¿Escucharemos alguna vez un disco en castellano de The Yellow Melodies? “Si”, de “High”(jabalina, 2000), era una canción muy chula.

R. Ni idea, no es algo premeditado cantar en inglés. Como digo siempre, lo importante son las canciones, las melodías, y la letra viene después, aunque siempre me gusta decir algo y que ese algo encaje con la música. No le tengo manía ni al inglés ni al castellano.

P. ¿Ahora toca presentar el disco en directo?

R. Haremos alguna presentación, claro! Ya tenemos fechas en Murcia (24 de enero) y Almería (27 de diciembre), y poco a poco irán saliendo más.

P.¿Es cierto que ya tienes material para un próximo disco? ¿Se convierte definitivamente éste en tu proyecto más ambicioso?

R. No sólo es que tenga material, sino que el disco ya está grabado. Hemos grabado 14 canciones entre agosto y septiembre, y ahora estamos terminando de mezclarlas. La idea es que el disco salga para la primavera. Sí, ahora mismo THE YELLOW MELODIES es el proyecto en el que estoy centrado.

P. Porque, Vacaciones ¿Han vuelto para quedarse o son sólo fechas puntuales?

R. No hemos vuelto porque nunca nos hemos ido, sólo que un día decidimos no seguir ensayando regularmente cada semana, y ofrecer sólo conciertos muy especiales, ya que cada uno tiene sus proyectos paralelos. VACACIONES, por tanto, siguen existiendo, aunque sólo daremos conciertos muy puntuales. Ruth y yo seguimos demostrando nuestra pasión por el pop pinchando como VACACIONES DIYEIS.

P. ¿En qué estado encontramos a tus otros grupos?

R. LITTLE RUSSIA ahora se ha convertido en un nuevo grupo, aún sin nombre, siendo los mismos pero sumándose Mª del Mar, teclista de VACACIONES, y cambiando la voz masculina por las voces femeninas.
MINIBAR es el proyecto que tengo con Ruth, es como una continuación de VACACIONES, pero más punk y a la vez más electro. No encontramos el hueco para ensayar, así que está ahí un poco abandonado de momento.
VACACIONES ya te he comentado en la pregunta anterior.
WAVEFIELD es mi proyecto individual, con las canciones que no encajan en ninguno de los otros grupos. Sólo hay una canción por ahora, pero irá creciendo el repertorio poco a poco. Es un producto de estudio.

P. ¿Y a Discos Imprescindibles?

R. Ufff! De momento el sello está parado. Fue un sello más para sacar el segundo disco de VACACIONES, que para editar cosas de otros grupos.

P. Cuéntanos más de ti ¿Qué disco es el que te mete de lleno en este fascinante mundo del pop independiente?¿Cuál fue el primer disco que compraste?¿Y el último?

R. ¿Un solo disco? Hay un montón de discos, de ahora y de antes, de aquí y de fuera,... me voy llevando las novedades al coche cada semana, que es donde mejor escucho la música, por lo que tendría discos favoritos cada día! Ahora mismo llevo en el coche el primero de THE LODGER, y el último de THE POLYPHONIC SPREE. Cuánto más les escucho, más me gustan!
Los primeros discos que compré fueron en vinilo cuando me fui de viaje de estudios en el instituto: el “Strangeways here we come” de THE SMITHS; “New york” de LOU REED; y “Huntuing high & low” de A-HA.
El último disco fue el finde pasado, cuatro discos todos ellos de Rock Indiana, ya que me encanta su política de vender los discos a 5 euros (ahora ya a 8), así que me compré 4 discos por un total de 20 euros: GURUS, BOMBONES, SMILE y DANIEL WYLIE.

P. Todos estos años de sacrificio en el mundo de la música hubieran merecido la pena sólo por aquel momento...

R. Por cada vez que me subo a un escenario a tocar las canciones que he compuesto, o cuando me llega un nuevo disco de cualquiera de mis grupos a mis manos; por los festivales de verano, que representan los mejores días del año; y sobre todo, por toda la gente que he conocido y con la que he compartido tantas cosas maravillosas en este mundillo...

P. De la escena nacional actual ¿A qué grupos destacarías?¿Y de la internacional?

R. Ahora mismo te podría citar a KLAUS & KINSKI como uno de mis grupos favoritos nacionales, y encima son de Murcia! También escucho últimamente a TACHENKO y JONSTON, me encantan! De fuera últimamente flipo con THE LODGER, PAPERCUTS, YOUNG GALAXY, EMMA POLLOCK y THE POLYPHONIC SPREE.

P. ¿Cuál/es es/son esa/s canciones que no faltan nunca en las sesiones de Vacaciones Diyeis?

R. La del caballito pony de HIDROGENESSE, “Dónde vas Michael Knight”, de THE MOVIDAS, y también suelen sonar siempre MIRAFIORI, EL NIÑO GUSANO, LOS FRESONES REBELDES, LA CASA AZUL, LOS PLANETAS, THE SMITHS, el “Magic” de CHUCHO, BLONDIE, THE SCHOOL, PAPAS FRITAS, “Me pica un huevo” de SINISTRO TOTAL, “Poupee de cire, poupee de son” de FRANCE GALL, THE BEATLES,... y CHIMO BAYO para finalizar si la gente va muy animada...


Muchísimas gracias, Rafa. Dale muchos besos a Ruth y enhorabuena por... por todo.

Muchísimas gracias a vosotros también por esa pasión y ese cariño que habéis demostrado con la entrevista, y larga vida a ese blog!

Antonio

¡Vaya despiste!

Ya nos podéis enviar los comentarios que estiméis oportunos. Merced a un despiste imperdonable teníamos deshabilitada esa opción. En fin, gracias Urzan por avisar.

Sarah Records (tercera parte, el final)

Había que acabar a lo grande y los responsables de Sarah decidieron que esa despedida fuera por duplicado. Por una parte, fue publicada la referencia nº 100 del sello, un magnífico recopilatorio llamado "There And Back Again Lane" en el que se recogen canciones de la mayoría de las bandas que formaron parte del sello; musicalmente, el disco no aporta nada nuevo por no contener ningún tema inédito, pero lo interesante es el booklet que acompaña al disco en el que hay contenidas un gran número de anécdotas e historias en torno al sello y sus bandas, así como numerosas fotos... todo una despedida. La segunda parte de la despedida del sello consistió en una fiesta para celebrar la muerte del sello, celebrada el día 28 de Agosto de 1995 en Bristol, una fiesta a la que asistieron fans de todo el planeta con actuaciones de numerosos grupos. El mejor de los finales, sin duda.

¿Qué queda de Sarah Records? Bueno, Matt y Clare decidieron continuar en la música, de modo que decidieron comenzar una nueva aventura que se llamaría Shinkansen Recordings, y su primera referencia sería publicada en los primeros meses de 1996, un 7" de Trembling Blue Stars, la nueva banda de Bob Wratten. Además de Bob Wratten, siguieron en el sello Blueboy e East River Pipe. El resto de las bandas de Shinkansen no tienen absolutamente nada que ver con Sarah Records, y es que esa fue la intención primera de Shinkansen: desligarse del pasado, aunque la realidad es que el sello es conocido como "el que antes era Sarah Records" y la recopilación publicada de The Field Mice poco ayuda a olvidar esa idea y, siendo objetivo, tampoco se puede decir que alcance, ni de lejos, la calidad de las grabaciones provenientes del sello de Bristol.


© Manuel Soleado

Miles Davis suena (en mi imaginación)

Pues si, como bien decía La Buena Vida, Miles Davis suena...en mi imaginación. El 14 de Noviembre de 1967, La Vanguardia en su página 51 dedicaba una columna a la sorprendente fuga que había protagonizado Miles Davis el día anterior en el II Festival Internacional de Jazz de Barcelona. Ya había cobrado, eso si. Léedlo, no tiene desperdicio.

MARTES, 14 NOVIEMBRE 1967 LA VANGUARDIA ESPAÑOLA Página 51
EL II FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ
La fuga fraudulenta de Miles Davis
produjo un final inesperado

Para que nada faltara en el II Festival
Internacional de Jazz de Barcelona
se hubo de producir la inexplicable
desaparición de Miles Davis, horas
antes de su primer concierto, después de
haber llegado con unos días de antelación
a Barcelona albergando el propósito
de «ambientarse» de España y del
festival barcelonés. Miles Davis percibió
por anticipado el importe correspondiente
a su actuación, dejó a cargo
de la organización del Festival la cuenta
de varias compras importantes que
efectuó en diversos establecimientos comerciales
de la ciudad, y tomó repentinamente
el avión de Nueva York dejando
abandonados sin explicación ninguna
en el hotel barcelonés a los cuatro
restantes miembros de su quinteto y
a su representante, sumidos en la más
oscura perplejidad.
Y así, el Festival Internacional de
Jazz de Barcelona tuvo un final inesperado.
Actuó, como estaba previsto,
el cuarteto de Rolf y Joachim Kühn,
en la primera parte y la segunda fue
cubierta por los cuatro miembros del
decapitado quinteto de Miles Davis
(a quienes hubo que «volver» a pagar
por su actuación), y se dio al final una
«jam-sessión» improvisada, para la que
se prestaron desinteresadamente los excelentes
solistas Natbam Davis, Pony
Poindexter, Dusko Goykovich, Bent Jaedig,
Tete Montoliú, Milán Pilar y Makada,
todos los cuales quisieron ofrecer
una muestra de solidaridad con el festival
y con el defraudado público de
Barcelona ante los muy numerosos espectadores
que decidieron dar una lección
a Miles Davis tomando sus localidades
normalmente a pesar de la información
de su huida. Estos músicos
fueron muy calurosamente aplaudidos.
El cuarteto de los hermanos Kühn
(Rolf, clarinete, Joachim, piano, Bab
Guenin, contrabajo y Aldo Romano, batería)
practica una música especial
de muy difícil catalogación. Como jazz
cabría situarlo en la estética de vanguardia
pero es que tiene poco de jazz auténtico
y como música simple no puede
considerarse como vanguardista,...

Antonio

Sarah Records (segunda parte, los grupos)

Another Sunny Day. Harvey Williams es Another Sunny Day. Bajo este nombre llegó a publicar cinco 7" y un flexi que, en estos días, son de las referencias más buscadas del sello. Las canciones de Another Sunny Day son perfectas; pequeñas gemas como "I'm in love with a girl who doesn't know i exist" o "The centre of my little world" pueden convertirse en favoritas para toda la vida, canciones en las que Harvey Williams cuenta las más bonitas historias (tristes, a veces) rodeadas de una música delicada, con unas guitarras cristalinas,... la pureza del POP en sólo 14 canciones que puedes encontrar contenidas en el Lp recopilatorio "London Weekend". Harvey Williams también ha sido miembro de Field Mice y colaborado con Blueboy y The Hit Parade, entre otros. Más tarde y bajo su propio nombre, Harvey publicó un par de estupendos mini-lps en los que sustituye las guitarras por instrumentos como el piano, flautas, cellos, sintetizadores... consiguiendo canciones a la altura de su grupo pero con un sonido completamente distinto, así, sorpresas a tener en cuenta, son "Rebellion" (Sarah Records) y "California" (Shinkansen Recordings).

Blueboy. Es uno de los grupos más prolíficos del sello, con un flexi, seis 7" y dos Lps publicados. Sus miembros provienen de Feverfew, un pequeño grupo que no editó más allá de unas pocas canciones y que también está en el origen de The Rileys, otra de esas bandas que hicieron las delicias de muchos aficionados al indie-pop británico de principios de los 90. Blueboy tienen el honor de haber publicado el que quizás sea el mejor Lp publicado en Sarah: "Unisex", su segundo Lp, en el que más que nunca se hace patente esa melancolía que siempre les caracterizó junto con la ambigüedad de muchas de las letras de sus canciones, olvidando en parte los ambientes etéreos y la electrónica de algunos de sus 7" e introduciendo unos violines que convierten a este disco en un clásico del catálogo Sarah. Fuera del sello de Bristol, la banda ha publicado los 7” “Love Yourself" y "Marco Polo", y un tercer Lp, "The Bank of England", todos ellos en Shinkansen Recordings. Además, Keith y Paul, los dos fundadores de Blueboy, han tenido un par de grupos, Arabesque y Beaumont con varios discos en Siesta Records.

Brighter. Nunca estuve de acuerdo en la existencia de un "sonido sarah" ni he comprendido la identificación de Sarah con un determinado sonido. Son muchos los grupos que grabaron para el sello y no veo tantos puntos en común entre ellos, excepto la sencillez en los planteamientos, y quizás su máximo representante sería Brighter. Comienza siendo el proyecto de una sola persona, Keris Howard, al que más tarde se unirían dos miembros más, Alex y Alison, dando lugar al trío que fueron Brighter. La música de Brighter es sencilla, pausada, melancólica... por momentos llega a ser lineal, excesivamente lineal, y es por ello que Brighter no destaquen en una primera escucha de sus canciones; hay que darle tiempo a su música, descubrir todos los rincones de sus canciones y apreciarlas dejándonos llevar allí donde nos conduzcan sus melodías. Keris Howard, una vez disueltos Brighter tras su segundo mini-lp "Disney", publicó un cd-ep en Vinyl Japan bajo el nombre de Hal. Actualmente su grupo es Harper Lee, con un 7" de reciente aparición en Matinée.

East River Pipe. East River Pipe es F.M. Cornog, personaje que editaba sus canciones en su propio sello Hell Gate y un buen día decidió enviar uno de sus discos a Sarah. A partir de ese envío entró a formar parte del sello, que publicó algunas de sus canciones en Inglaterra. F.M. Cornog podría entrar dentro de la etiqueta de cantautor, bastante alejado de lo que se supone un grupo Sarah. Narra historias cotidianas desde su particular modo de ver las cosas, extremo punto de vista en ocasiones, y centrándose en su ciudad natal Nueva York, sacando muchos de los personajes de sus canciones directamente de esa ciudad. Actualmente sus discos son editados por Merge y por Shinkansen en Inglaterra.

Even As We Speak. Una de las dos bandas australianas que formaron parte del catálogo de Sarah Records. Matt Love se encargaba de componer la mayor parte de los temas en los que luego él mismo ponía las voces junto con Mary Weller. Publicaron cuatro 7" y un LP que supuso una pequeña decepción. En sus sencillos dejaban ver desde lo mejor de Heavenly, con preciosas tonadillas optimistas, hasta minúsculas piezas llenas de intimismo y timidez. A rescatar, ahora y siempre, su impecable versión del Bizarre Love Triangle de New Order. Luego llegó su LP "Feral Pop Frenzy" y el más absoluto desconcierto, un disco en el que se alternan puras canciones POP de las que siempre habían hecho con brillantez junto con otros temas en los que se exceden con programaciones y samplers a los que Matt Love tan aficionado era. Nunca más se supo de ellos (al menos discográficamente). Mary y Anita formaron The Singing Bush y hasta el momento han plastificado dos preciosas canciones en sendos recopilatorios. Matt Love volvió en solitario con un 7" en Moonsceen Records, disco que tiene de todo menos el encanto de Even As We Speak.

The Field Mice. ¿El grupo más representativo de Sarah? Es posible, sólo ellos estuvieron a punto de conseguir ser un grupo importante, de éxito, y entonces decidieron disolverse... Antes de esto y durante casi cuatro años publicaron multitud de discos y escribieron como nadie canciones sobre el amor, el desamor, la pena... y en general, todos aquellos sentimientos de los que nos resulta tan difícil hablar. Bob Wratten se ha convertido para mucha gente en un ser especial, alguien que ha retratado a la perfección todo aquello que les ha podido afectar en una etapa de su vida y que encuentran plasmado en las canciones de The Field Mice. Junto a Bob Wratten estuvieron en The Field Mice, entre otros, Annemarie Davies, que acabó siendo su pareja y Harvey Williams (Another Sunny Day). Tras la desaparición del grupo, Bob y Annemarie formarán Nothern Picture Library, con discos en Vinyl Japan y Sarah, y al romperse su relación con Annemarie, Bob en solitario crea entonces Trembling Blue Stars.

The Harvest Ministers. De todos los citados, The Harvest Ministers son el grupo más triste, puede que por su procedencia irlandesa. Grupo difícil que sólo se dejó llevar por los ambientes menos depresivos en una única ocasión, la canción que da título a su tercer sencillo "If it kills me and it will". Su música es áspera, oscura y bella al mismo tiempo. Canciones que no invitan a ser compartidas sino a disfrutarlas en soledad, prestándoles la atención debida, ya que de otro modo se nos escaparían esos pequeños detalles que le dan a su música ese ambiente de permanente zozobra que es capaz de desolar al más optimista de sus seguidores. Finalizada su etapa en Sarah el grupo pasa a formar parte del catálogo de Setanta, sello en el que ha publicado varios LP's hasta la fecha.

Heavenly. Después de todo es posible que Heavenly no necesiten presentación ¿verdad? ¿quién no quiere a Amelia Fletcher? la musa del indie-pop de los 90, la sonrisa más bonita y la única capaz de hacernos sentir felices en cualquier momento con su voz. Heavenly fueron el grupo más representativo del indie-pop, al menos de aquél que se identifica con los colores chillones, los ritmos saltarines, la felicidad, las guitarras brillantes, cristalinas,... y consiguieron con sus primeros sencillos y con su Mini-Lp "Heavenly Vs Satan" elevar el listón de la calidad de modo que ningún otro grupo se les ha acercado. Poco a poco fueron perdiendo frescura y gananado en madurez elaborando canciones mucho mejores pero sin esa chispa de sus primeros años. No obstante, no llegaron a fallar en ningún momento y sus siete 7" (uno en K, otro en Wiiija y el resto en Sarah -aunque serían 8 si contamos el compartido con Bis, en K-) y cuatro Mini-Lp's (el último en Wiiija) son de compra obligada. La desgraciada muerte de Matthew, hermano de Amelia y batería del grupo, hizo que el resto de la banda decidiera abandonar y empezar de nuevo más tarde bajo un nuevo nombre: Marine Research (y más tarde, Tender Trap).

The Hit Parade. El grupo de Julian Henry, el tercer geniecillo del sello junto con Bob Wratten y Harvey Williams, éste último colaborador ocasional de The Hit Parade. Si algo distingue a Julian Henry fue su constante afán por conseguir las más perfectas melodías desde sus comienzos en su propio sello (JHS). Más tarde pasaría por Vinyl Japan hasta llegar a Sarah donde publica un par de sencillos y un Lp "The Sound Of The Hit Parade", que resultó ser su mejor trabajo hasta la fecha. Un disco en el que su pasión por el POP estadounidense de los 60 se hace más evidente que nunca y donde cada canción nos descubre guiños permanentes desde el pasado (The Beach Boys) hasta llegar a un presente más o menos reciente, viniendo a nuestras mentes los magníficos discos de bandas como Prefab Sprout o The Pale Fountains.

The Orchids. Estos escoceses fueron la segunda banda en unirse al sello, llegando a publicar tantas referencias como The Field Mice, el grupo más prolífico de Sarah. Poco tienen que ver los Orchids de "Striving For The Lazy Perfection" (su último Lp de 1994 en el que coquetean descaradamente con el dance-pop), con los Orchids que llegan a Sarah en 1988, siendo un grupo puramente POP, sin recurrir a programaciones, tan sólo elaborando temas que enganchaban a la primera escucha, gracias a un sonido con clase (quizás un poco mimético en aquellos primeros años posteriores a la C86) y a la magnífica voz de J. H. Hackett, más tarde acompañado por Pauline Hynds. Quizás aquellos que descubieron al grupo en sus primeros trabajos renieguen de "Striving...", pero todos sus discos merecen la pena, cada uno con sus propias virtudes, y puede que esa evolución de su sonido fuera una de ellas, el saber no quedarse anclados en una época.

Secret Shine. Forman junto con Boyracer y Action Painting el lado más ruidoso de Sarah Records, el más alejado del concepto de "sonido sarah" que erróneamente se ha extendido entre mucha gente que, probablemente, no tengan un solo disco de la compañía en casa. Secret Shine grabaron también en sus comienzos para A Turntable Friend, pero es a partir de su tercer sencillo para el sello de Bristol cuando son realmente interesantes; con "Loveblind" abandonan su POP más o menos convencional y reposado para sumergirse completamente en capas y capas de guitarras, ruido, melodía y distorsión consiguiendo en su siguiente intento, el Lp "Untouched" dar lo mejor de sí mismos, siendo este disco actualmente codiciado por todos aquellos aficionados a la escena Shoegazer y Dreampop.

The Sugargliders. Si poco objetivo puedo ser al hablar de Sarah Records menos aún lo soy con The Sugargliders, en mi opinión, responsables junto con Blueboy de los mejores 7" publicados en el sello en sus últimos cuatro años de existencia. Grupo australiano compuesto principalmente por los hermanos Josh y Joel Meadows con un sonido fundamentalmente acústico. La mayoría de sus canciones contenían melodías cristalinas interpretadas de un modo muy personal, a veces, apenas susurrándolas. Canciones acompañadas en ocasiones por una trompeta que terminaba de dulcificar el conjunto. Actualmente, los hermanos Meadows tienen un nuevo grupo, The Steinbecks, con los que hasta la fecha realizaron un par de Lp's y algún que otro sencillo.

Se podrían citar más grupos del catálogo Sarah como The Sweetest Ache, The Wake, The Sprinfields, Abeerden,... cada uno con su encanto particular y su historia, pero como introducción al sello es probable que los doce grupos citados sean bastante orientativos de lo que fue el sello. Ahora sólo queda encontrar el material de los distintos grupos. Por desgracia, todo el catálogo de Sarah está absolutamente descatalogado y hoy día no es tan sencillo comprar sus referencias: hay que buscar en tiendas de segunda mano o tener suerte y encontrarse algún día en una tienda con un disco de Another Sunny Day o Blueboy... nunca se sabe... puede que sea hoy ese día.

Los 50 (festivos) de Peel

John Peel murió hace poco más de cuatro años. Era, como sabéis, un pinchadiscos de lo más ecléctico y fascinante, además de un riguroso periodista. Estuvo haciendo las delicias de sus oyentes en la BBC Radio 1 desde 1967 hasta que murió en 2004. No contento con esto, Peel creó una radio pirata, llevó a cabo sus populares Peel Sessions (por las que pasaron grupos desde The Undertones a The Hollies, pasando por Joy Division, Manfred Mann o The Smiths por citar algunos), y fundó el sello Strange Fruit, mediante el cual editó muchas de estas grabaciones tan especiales.

Pero lo que hoy nos ocupa, ya que se acercan esas fechas en que somos fusilados mediante listas con lo mejor y lo peor de lo acontecido a lo largo del año, son las Festive Fifty, listas que se creaban desde su programa a través de las votaciones de los oyentes del mismo.

La primera Festive Fifty se realizó en 1976, y aún no se limitaba a las canciones publicadas el año recién terminado. De hecho no fue hasta 1982 cuando este requisito se convirtió en inexorable. Ese mismo año 1982, así como en 2000, se hizo una votación paralela con las mejores canciones de todos los tiempos según la parroquia de Peel.

Tras la muerte de éste, las históricas listas se han llevado adelante gracias a su sucesor Rob Da Bank primero, y tras su cese, mediante el empeño de su viejo equipo de colaboradores a través de Internet.

Éstos han sido los artistas que han encabezado las listas desde 1976:

- 1976 Led Zeppelin, “Starway to Heaven”
- 1977 The Motors, “Dancing in the night away”
- 1978 The Sex Pistols, “Anarchy in the UK”
- 1979 The Sex Pistols, “Anarchy in the UK”
- 1980 The Sex Pistols, “Anarchy in the UK”
- 1981 Joy Division, “Atmosphere”
- 1982 New Order, “Temptation” y de todos
los tiempos, The Sex Pistols, “Anarchy in the UK”
- 1983 New Order, “Blue Monday”
- 1984 The Smiths, “How soon is now?”
- 1985 The Jesus & Mary Chain, “Never understand”
- 1986 The Smiths, “There’s a light that never goes out”
- 1987 The Sugarcubes, “Birthday”
- 1988 The House of Love, “Destroy the Heart”
- 1989 The Sundays, “Can’t be Sure”
- 1990 The Fall, “Bill is dead”
- 1991 Nirvana, “Smells like teen spirit”
- 1992 Bang Bang Machine, “Geek Love”
- 1993 Chumbawamba & Credit to the Nation, “Enough is enough”
- 1994 Inspiral Carpets con Mark E.Smith, “I Want You”
- 1995 Pulp, “Common People”
- 1996 Kenickie, “Come out 2nite”
- 1997 Cornershop, “Brimful of Asha”
- 1998 The Delgados, “Pull the Wires from the wall”
- 1999 The Cuban Boys, “Cognoscenti vs Intelligentsia”
- 2000 Necko Case & Her Boyfriends, “Twist the Knife”, y de todos
los tiempos, Joy Division, “Atmosphere”
- 2001 Melys, “Chinese Whispers”
- 2002 Saloon, “Girls are the New Boys”
- 2003 Cinerama, “Don’t touch that Dial”
- 2004 The Fall, “Theme from Sparta FC part 2”
- 2005 Jegsy Dodd, “Grumpy old men”
- 2006 Tall Pony, “I’m your Boyfriend now”
- 2007 Battles, “Atlas”

Yo ya te lo dije

Una idea

Sé que estáis hastiados de la crisis, de sus efectos y de oir hablar de ella, de la refundación del capitalismo y del agujero negro en que dicen que nos vamos a sumergir sin más esperanza que la de que el cielo caiga sobre nuestras cabezas y nos libre de este mal, amén.

Sin embargo, yo propongo que actuemos, que no nos quedemos de brazos cruzados, que comencemos a revelarnos desde ya. Para los que andéis escasos de ideas, os mando estas instrucciones sobre "Como hacer la revolución en la oficina" (clica sobre la viñeta), que las disfrutéis.

También os propongo la canción que podría sonar por el hilo musical (¡sabotaje!) para motivar aun más a vuestros comprometidos compañeros; "Get a knife between your teeth" de McCarthy, veréis que subidón. ¡Buena suerte!

Antonio

Sarah Records (primera parte, la intrahistoria)

Extraida de la página de nuestro amigo Rafa Skam, os traemos hoy a "Yo ya te lo dije" la historia de uno de nuestros sellos preferidos, Sarah Records, que dividiremos en tres partes. Que la disfrutéis.

No es habitual que un sello discográfico pueda significar algo especial para nadie, normalmente son los grupos los que dejan huella en nosotros pero no es tan común que un sello llegue a ser recordado y querido. Sarah será recordada, al menos por unos pocos de nosotros: comprar un disco de Sarah era siempre algo especial, no importaba de qué grupo se trataba; no hay muchos sellos con los que te puedas identificar hasta llegar al punto de comprar sus discos sin pensar si el grupo te va a gustar o no, ya sabías de antemano que te encantaría, no sólo por la música que contenía, sino por su presentación, esas bonitas portadas que acompañaban a cada disco, deliciosos pósters incluídos en algunas referencias, y en otras el disco venía acompañado de una pequeña tarjetita que era parte de un pequeño puzzle con el cual podías formar la imagen de algún edificio de Bristol,... auténtica obsesión para Sarah la ciudad de Bristol, sede del fantástico sello británico y eje en torno al que gira gran parte de la vida de Matt y Clare, los responsables de Sarah. Ellos tenían pasión por su ciudad y contagiaron esa pasión a muchas personas, ya que se dedicaron a reflejar en las galletas de algunos de sus discos los canales y muelles de su ciudad, o en multitud de ocasiones, edificios, pequeños y curiosos rincones, o los autobuses urbanos que no pocas veces utilizaron en sus desplazamientos. Estoy seguro de que algunas personas conocen Bristol mucho mejor gracias a Sarah que un buen número de los habitantes de la ciudad. Son pequeños detalles que hacían de Sarah algo especial. Supongo que para muchos de los que leéis estas líneas os parece algo absurdo esa fijación con una discográfica. La mayoría de los Sarah-adictos nos hemos pasado tardes enteras rescatando nuestros discos y leyendo todas las frases escritas en las galletas o rebuscando en las hojitas que acompañaban a los 7" hasta dar con aquélla en la que había algo distinto, como puede ser el título de un disco, caso del 7" de Another Sunny Day "I'm in love with a girl who doesn't know I exist" que en una ocasión fue modificado por "I'm in love with a mature woman who doesn't know i exist".

Hace ya trece años de la desaparición de Sarah. Si tuviera que dar un motivo por el que merece ser recordada, sin duda afirmaría que gracias a Sarah surgieron multitud de pequeños sellos indie-pop en todas las partes del globo. Nada sería igual si en 1987 no se hubiese publicado la primera referencia del sello, el 7" de The Sea Urchins "Pristine Christine" que vino seguido de casi 100 singles y ep´s más, casi todos ellos en formato 7", según Matt y Clare el formato ideal, el mejor para el POP, el más económico, el más popular y accesible, aquél en el que les hubiese gustado publicar a todos sus grupos. Sólo la necesidad de dar salida a la producción de canciones cada vez mayor de sus grupos y como medio para poder financiar los 7", se decidieron a empezar a publicar Lp´s. Esta decisión les hizo ganarse las críticas de alguno de sus más fieles seguidores. Esa fijación en los 7" con los que consiguieron dar salida a las canciones de grupos que de otro modo nunca hubieran llegado a ver plastificado nada, hizo que mucha gente se diese cuenta de que era posible formar un sello y publicar canciones de sus grupos favoritos, lo que consiguió que a finales de los 80's y principios de los 90's hubiera una explosión de indie-pop; sellos en todos los países se formaron siguiendo el ejemplo o, al menos, influenciados por la actitud y sonido de los grupos Sarah. Así, a bote pronto, se podría citar a británicos como Bring On Bull (Waaaaah!) que en el fanzine que acompañaba a su recopilación "The Waaaaah!!! Cd" escribían del sello de Bristol "...es el único sello discográfico que realmente he amado y no quiero escuchar una palabra en contra de él..." en ese fanzine también se hablaba de otros sellos pero se concluía "...pero Sarah es diferente, tiene clase, demasiada para la mayoría de vosotros..."; sellos alemanes como A Turntable Friend que llegó a publicar discos de una banda de Sarah como Secret Shine o Boyracer; también hubo sellos americanos influenciados por Sarah, como Bus Stop en sus primeros tiempos, o Sunday sin ir más lejos; y bueno, hasta en Grecia el sello This Happy Feeling publicó discos de grupos del país que dejaban ver su gusto por bandas de Sarah, como Next Time Passions, que hacen una versión de "I'm in love with a girl who doesn't know I exist"...¿quién hubiera dicho que en Grecia existía el Pop? Nadie, sin duda. Es seguro que, como se afirmaba en tono jocoso en la "newsletter" en la que se anunciaba la fiesta de despedida del sello, hubiesen fallado en algo: no consiguieron verdaderos hits, tampoco portadas en el NME, ni siquiera pudieron reestructurar la sociedad bajo las directrices del socialismo... tampoco lo pretendieron, al menos eso creo, pero sí consiguieron aplicar su forma de ver las cosas y su ideología a la hora de crear y hacer funcionar Sarah Records, y el resultado fue inmejorable.

Antes de citar alguno de los grupos del sello quizás sería conveniente saber cómo se creó Sarah Records. El nacimiento de Sarah es lo de más corriente. Como decenas de sellos, surgió del amor de ciertas personas por la música, sentimiento que vio la luz por primera vez en forma de fanzine. Matt Haynes escribía en "Are you scared to get happy?" en el cuál criticaba la política de los sellos independientes de la época que, según argumentaba, parecían demasiado centrados en crecer a toda costa y aplicaban políticas comerciales propias de las multinacionales, comentarios y opiniones que entraban perfectamente dentro de su modo de ver las cosas y que, salvo pequeñas matizaciones, siempre mantuvo a lo largo de los años siguientes ya en Sarah Records y antes en Sha-la-la, primer sello del que Matt forma parte junto con unos amigos y en el que empieza su defensa del formato 7" como medio ideal para dar salida a montones de pequeñas bandas POP. En este caso se decantan por el flexi disco. De este modo, Sha-la-la publica a lo largo de año y medio (entre 1986 y1987), flexis de grupos tan estupendos como Razorcuts, Talulah Gosh (pre-heavenly), Poppyheads o Remember Fun. En esas fechas, Matt conoce a una chica que también escribe un fanzine y está interesada en Sha-la-l: Clare Wadd. Pronto se dan cuenta de sus intereses comunes y su amor por los mismos grupos; de este modo, Sarah Records va a comenzar como sello, y la primera referencia corresponderá a The Sea Urchins, grupo con el que ambos fundadores del sello habían tenido relación con anterioridad. A partir de ese momento el sello fue incorporando bandas a su catálogo hasta llegar, después de casi ocho años de historia, a publicar discos de 34 bandas que en su mayor parte no pasaron de ser conocidas por unas pocos que han ido coleccionando sus discos con verdadero mimo.