martes, 30 de diciembre de 2008

Vidas Ignominiosas


CANSADO:- Hola. Buenas noches a todos. Estoy muy preocupado porque he cometido un crimen ignominioso, y he venido a este programa de víctimas de la televisión para que, por lo menos, aunque me detenga la policía, por lo menos me hagan famoso. Yo estaba haciendo una chapuza en casa de unas viejas millonarias y, cuando ví que tenían tantísimos millones, dije:"Las acuchillo" y ya no pude más y las acuchillé el parqué y les he sacado 25.000 pesetas de más y mi mujer no me lo perdona y se ha divorciado.

FAEMINO:- Buenas noches. Me llamo Andrés Sánchez y tengo una clínica dermatológica ignominiosa. El otro día vino un jovencito, actor, y me dijo que tenía acne. Y entonces, le dije:"Bueno, te voy a atender". Pero empecé a dar rodeos, con lo cual no fui al grano y el chaval perdió el curro. Lo peor de todo es que mi mujer se ha divorciado.

CANSADO:- Buenas. Yo si que tengo un problema, porque tengo un hijo que es ignominoso, y entonces, se ha marchado de casa: Ha hecho la maleta y se ha ido en un viaje organizado a Brasil. Quince días de viaje, y hace tres días que se marchó y no sabemos nada de él. Por favor, Juan Luís, llama desde donde estés, pero no a cobro revertido. Mi mujer dice que yo soy el culpable y en tanto en cuanto se ha divorciado.

FAEMINO:- Me llamo Luís Miguel Ruidrobo. Hace quince días un socio mío que estaba trabajando conmigo en una empresa -ignominiosa, por supuesto-, se ha marchado. Por favor, yo pido desde este programa que aparezca. Que aparezca con los cincuenta millones que se llevó. Por favor, una cosa es la amistad y otra cosa es el dinero: La amistad te la puedes meter en el culo, pero el dinero, por favor, devuélvemelo. Lo peor de todo es que mi mujer se ha divorciado.

CANSADO:- No, ya está, ya no hay más.

Faemino y Cansado

lunes, 29 de diciembre de 2008

Perruca campeón

Desconocíamos la existencia de esta emocionante misiva. Andrés Perruca, músico y escritor(El Niño Gusano, Tachenko, Zona de Obras) dedicaba hace unos meses estas sentidas líneas al desaparecido Sergio Algora, si, ese cabrón. Sara (grazie mile) nos ha hecho conocer de su existencia y hemos querido compartirla con vosotros, dice así...

Sergio, eres un cabrón.

Ni Mastroianni, ni Tarantino, ni siquiera Gainsbourg se
habían atrevido a tanto; dejarnos a mitad de la película.
Sólo a ti se te ocurre. Como para escribirte un obituario
de los de toda la vida diciendo lo bueno y lo simpático que
eras y recordando todo lo que hiciste: discos, poesía,
relatos, cuentos, columnas, letras de canciones, noches
inolvidables, juegos de palabras, juegos de todo tipo...

Estamos los que te queremos como para hablar de El Niño
Gusano, de Muy Poca Gente o de La Costa Brava. Estamos como
para hacer hincapié en el talento que tenías y en la magia
que te rodeaba. Estamos como para rendir homenaje a tu
calidad literaria y humana. Estamos como para decir cosas
como "Siempre se van los mejores" y mierdas
parecidas. De eso nada cabronazo, porque nos has dejado muy
jodidos.

Tú ya sabías, incluso antes de leer el 2001 de Arthur C.
Clark, que cien mil millones de personas son las que han
pasado por la tierra en toda la historia y que justo ése es
el número de estrellas que contiene la Vía Láctea. Las
cuentas salen solas y te toca un sistema solar enterito para
ti solo.

Yo sé que ahora estás allí, en tu sistema
particular, y que ahora mismo vas surcando el espacio, de
planeta en planeta, convertido en capitán, cronista, diyei,
bibliotecario y barman de un crucero sideral. También sé
que cada uno de esos planetas contiene la mejor música, las
chicas más hermosas y los poemas más extraños. Y también
sé que has evitado el movimiento de rotación de los
planetas para que no haya noche ni día. ¿Para qué, si a
ti te dan igual esos detalles y sólo hace falta que te
apetezca que sea la hora de vermú, de la cena o de irse a
dormir para que lo hagas?

Siempre has sido el chico más listo de la clase (y el que
tiene la cabeza más grande, no te creas que te vas a
librar) y siempre has sabido bien que los asuntos más
serios son los que mueven a risa y que en este mundo
práticamente lo único que vale la pena son los buenos
momentos que te llevas al final y los buenos recuerdos que
dejas en la gente a la que amabas. También sabes que no hay
que ponerse drástico y que sólo hace falta dar tiempo al
tiempo: dentro de menos de lo que nos imaginamos cada uno de
nosotros tendrá su estrella y ya te encargarás tú de de
navegar de una a otra para volvernos a conectar a todos con
tu magia. Sí, tú eres muy listo y lo sabes muy bien, pero
nosotros no, y por eso nos hemos quedado tan jodidos.

Además, te dejaste sin terminar la entrevista a Bigott para
ZdeO. ¿Qué hacemos ahora? ¿Qué hacemos ahora, pedazo de
cabrón? ¿Qué cojones vamos a hacer ahora?

lo ha escrito andrés perruca y va para Sergio
Algora,claro.

Yo ya te lo dije

viernes, 26 de diciembre de 2008

Sin (más) palabras

Phil Spector


El 26 de Diciembre de 1939 nacía en el neoyorquino distrito del Bronx, Harvey Philip Spector, quien ha pasado a la posteridad con el nombre de Phil Spector.

El compositor, músico y productor comenzó en el mundo de la música en 1958 como guitarrista de The Teddy Bears, grupo que alcanzó un notable éxito con la canción “To know him is to love him” (frase extraída del epitafio que corona la tumba de su padre, quien se había suicidado unos años atrás debido a serios problemas económicos).

Tras el paso por su primera banda, Spector se pasó a la producción, y fue entonces cuando la música pop ganó a uno de sus grandes genios. Fue el creador del famoso “Wall of Sound”, mediante el cual pretendía un acercamiento a la música de Richard Wagner a través de irresistibles melodías pop, dotando siempre de gran belleza e intensidad sus producciones, destacando la cuidada orquestación, el manto de voces y una instrumentación meticulosa. No es por nada que el mismísimo Brian Wilson lo haya considerado siempre como un claro ejemplo a imitar.

Entre su vastísima producción podemos destacar la que le vinculó a los Beatles, siendo el productor a quien recurrió Lennon para que diera forma a “Let it be”, así como a su universal “Imagine”. También se encargó de producir el “All things must pass” de George Harrison.

Ya antes, en los años cincuenta había triunfado con composiciones como “River deep, Mountain high” para Ike & Tina Turner, “You've lost your lovin' feelin'” para los Righteous Brothers, “Spanish Harlem” para Aretha Franklin, “Be my baby” para las Ronettes, y un largo etcétera.

Spector se encargó también de producir a otros artistas de la talla de Dion & The Belmonts, The Drifters, Darlene Love, los Ramones o Leonard Cohen.

Precisamente, durante las sesiones de grabación de “The Death of a ladie's man” se produjo una de las anécdotas más recordadas de la historia del Rock & Roll.

Dentro la gira de presentación del “The Best of”, Leonard Cohen vio a Spector entre el público en el Troubadour de Los Ángeles y decidió que podía estar preparado para entrar bajo el alud sonoro del “Rey del Eco”.

El canadiense lo cuenta así, “Phil vino a verme a un concierto que di en el Troubadour y después me invitó a su casa. Cerró la puerta con llave para que no pudiéramos salir. Le dije 'Mira, Phil, si nos encerramos aquí, vamos a aburrirnos, así que, ¿Por qué no escribimos algunas canciones juntos?'. Cohen y Spector escribieron quince temas en tres semanas, en una colaboración que el poeta recuerda como algo 'refrescante y divertido' Pero la cosa se agrió a la hora de grabar:'En el estudio, Phil estaba rodeado de armas y guardaespaldas, el suelo estaba lleno de balas y botellas de vino...Un ambiente peligroso. Una vez me puso un revolver en el cuello y me dijo 'Te quiero, Leonard'.'Eso espero', dije yo. Phil estaba pasando un periodo caprichoso. Cada noche confiscaba las cintas y se las llevaba a su casa bajo custodia. Eligió las pistas y mezcló el álbum en secreto. Una vez acabado, lo entregó a la discográfica, yo sólo tenía que decir si o no...Y esto no es más que una pequeña parte de la historia. Hubo un momento en que me planteé si tendría que alquilar yo también unos guardaespaldas y resolver mis problemas con Phil en Sunset Boulevard”.

Más recientemente Phil Spector se encargaría, en otras conflictivas sesiones, de la producción de dos de los cortes del segundo disco de los británicos Starsailor, “Silence is easy”, todo ello debido a la enorme afición de su hija por dicho grupo.

En 1989 Spector pasó a formar parte del Rock & Roll Hall of Fame y en 1991 se publicaría la imprescindible caja "Back to Mono", donde se recopilan sus grandes éxitos.

Felicitamos desde aquí a este músico con mayúsculas, uno de los grandes de todos los tiempos. Os proponemos, de paso, como bálsamo para hacer más llevaderos estos último días del año el hit de las Ronettes, Be my baby. Y terminareis así de digerir los atracones navideños de un modo de lo más romantico.

Antonio

martes, 23 de diciembre de 2008

Mittens

Nos encantan. Son los Mittens, son madrileños y tan sólo cuentan con dos singles en su haber (“Fix of Sun!” y “Mingering Mike”), aparte de su inclusión en el recopilatorio “Somos los mods” (bip bip records, BCD 056) . Escaso bagaje, pero suficiente como para cautivarnos. Es el suyo un power/bubblepop muy pop. Guitarras potentes y voz angelical que recuerdan a las Undershakers (si éstas hubiesen fichado por Sarah), a The Wannadies, e incluso a veces a Fine. Atesora mucha clase este quinteto, y en directo parece ser que no dejan a nadie indiferente (ya han teloneado a Cooper, Rogue Wave o Loveninjas entre otros muchos grupos). Es por eso que nos gustaría contar con su presencia en la fiesta de puesta de largo de Yo ya te lo dije allá por el mes de Febrero de la que os mantendremos puntualmente informados.

Os dejo ahora con la historia que dio origen a cada una de los cuatro cortes que componen, “Mingering Mike”, como os digo, el segundo single de la banda.


MINGERING MIKE

Me encanta The discovery of a world inside the moone, el cuarto disco de Apples in Stereo. Tiene muchas canciones con melodías pegadizas y al mismo tiempo muy bailables. Mingering Mike pretende ir un poco por ahí, una canción con mucha melodía y con un riff de teclado machacón que tira del ritmo. La canción surgió cuando no paraba de escuchar el último disco de Belle and Sebastian, un grupo que siempre me ha dado bastante grima porque no soportaba la voz del cantante a pesar de que cumplía todos los requisitos para que me gustaran. Pero el último disco, donde dejaron atrás la afectación y se metían de cabeza en el rollo glam y soul chicloso, es uno de mis discos favoritos de los últimos años, me parece de 10. Mingering Mike trata básicamente sobre esta historia (http://www.mingeringmike.com) que me reenvío Pepe hace cosa de un año (hay publicado un libro con todos los dibujos de Mingering Mike que tiene una pinta estupenda).

HARD DRINKS

La idea de la letra de esta canción era básicamente hacer una parodia de las canciones de country clásicas (pensando sobre todo en Hank Williams) donde los cantantes, a pesar de su imagen dura e intimidadora, tenían unas letras bastante lloricas. Al final la melodía quedó resultona y parece una canción seria y grave cuando surgió como una broma. De lo que hemos grabado hasta ahora es la que más me está convenciendo, pero también es la más sencilla y la que necesita menos arreglos para funcionar. Seguro que cuando Anita meta voces y Javi la melódica queda redonda.

ROCK GARDEN SILVER JUBILEE

Hace unos meses en Madrid hubo una exposición sobre Art Brut donde proyectaban un documental sobre Nek Chand , un artista indio que había creado una especie de jardín gigante lleno de figuras que él y sus ayudantes han ido construyendo a lo largo de los años con todo tipo de materiales de deshecho. La historia es fascinante, por lo extraño de las figuras, lo descomunal del proyecto y por todos los conflictos que ha tenido (le llevó a enfrentarse a LeCorbusier que diseñó en la época un plan para reestructurar su ciudad y que contaba con pasar por encima de este jardín). La canción tiene un riff de guitarra que está inspirado en los Dexys Midnight Runners y al final suena mucho a The Clash pero en plan bubblegum. Creo que va a quedar bastante chula, con muchas guitarras, palmas, xilófonos y coros. ¡Espero que no nos pasemos y que no la acabemos recargando!

HERE AND GONE

Otra con bastante rollo country pensando en Buffalo Springfield y Beachwood Sparks, dos de nuestros grupos favoritos. A ver si le damos un toque un poco marciano con los arreglos que ha pensado Pepe para que no quede muy convencional de melodía. Ayer estuvimos ensayando coros con María y la parte final que es en plan apoteósica de guitarras y muchas armonías puede quedar bastante chula.

Extraído de http://www.lacoctelera.com/mittens/posts/index/4

Antonio

lunes, 22 de diciembre de 2008

Los número 1 en Nochebuena


"Lemon Pop" es el último sencillo publicado por Cooper (ER-374) con el que se ha situado en lo más alto de la lista de ventas de singles en España durante 7 semanas consecutivas. Con esto Alex Díez alcanza el éxito masivo que parece que se le negó, en cierto modo, en la era pop y que ahora en la era del pensamiento único y la modernidad que lo abarca todo (tooodooo) parece sonreirle.

Justicia histórica para alguien que atesora una colección de álbumes y canciones tan indiscutibles. Ahora los leoneses acaban de ceder dos posiciones, bajando hasta el número tres, lo que les impide alcanzar la Nochebuena coronando este ranking. Mérito éste que si consiguieron en su día los siguientes artistas. Hay algunos muy curiosos. Os invitamos a elegir vuestro preferido, yo ya tengo el mío;

- 1959 "Lonely Boy", Paul Anka (6 semanas)
- 1960 "Xipna Aghapi Mou", Nana Moukouri (1 semana)
- 1961 "Moliendo Café", Lucho Gatica (7 semanas)
- 1962 "Balada Gitana", Duo Dinámico (6 semanas)
- 1963 "Dile (Tell Him)", Luís Aguilé (6 semanas)
- 1964 "Ma Vie", Alain Barriere (6 semanas)
- 1965 "El mundo", Jimmy Fontana (11 semanas)
- 1966 "Black is Black", Los Bravos (12 semanas)
- 1967 "Aranjuez, mon amour", Richard Anthoy (4 semanas)
- 1968 "Que tiempo yan felíz (Those were days)", Mary Hopkin (6 semanas)
- 1969 "Sugar, sugar", The Archies (9 semanas)
- 1970 "N'a veiriña do mar", María Ostíz (5 semanas)
- 1971 "Mammy Blue", Los Pop Tops (11 semanas)
- 1972 "Speak softly love (tema de amor), El Padrino", Andy Williams (16 semanas)
- 1973 "Algo más", Camilo Sesto (10 semanas)
- 1974 "Rock your baby", George McRae (7 semanas)
- 1975 "Amor, amor", Lolita (10 semanas)
- 1976 "Europa (Earth's cry, heaven's smile)", Santana (2 semanas)
- 1977 "Oxygene (parte 4)", Jean Michael Jarre (1 semana)
- 1978 "Tu", Umberto Tozzi (9 semanas)
- 1979 "Reunited", Peaches & Herb (1 semana)
- 1980 "Woman in love", Barbra Streissand (7 semanas)
- 1981 "Ma quale idea", Pino D'Angio (14 semanas)
- 1982 "Amor de Hombre", Mocedades (5 semanas)
- 1983 "What a feeling", Irene Cara (2 semanas)
- 1984 "¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?", Alaska & Dinarama (8 semanas)
- 1985 "We don't need another hero", Tina Turner (2 semanas)
- 1986 "Lessons in Love", Level 42 (3 semanas)
- 1987 "Never gonna give you up", Rick Astley (7 semanas)
- 1988 "Nothing's gonna change my love for you", Glenn Medeiros (7 semanas)
- 1989 "Pump up the jum", Technotronic (8 semanas)
- 1990 "I've been thinking about you", Londonbeat (7 semanas)
- 1991 "Black or White", Michael Jackson (11 semanas)
- 1992 "Because the Night", Co.ro feat. Talesa (8 semanas)
- 1993 "Boom! Boom! Shake the room, Jazzy Jeff & The Fresh Prince (7 semanas)
- 1994 "Hyper hyper", Scooter (1 semana)
- 1995 "Nirvana", Viva (2 semanas)
- 1996 "Macarena Christmas", Los del Río (2 semanas)
- 1997 "En Navidad", Rosana (3 semanas)
- 1998 "Believe", Cher (9 semanas)
- 1999 "Rhythm Divine", Enrique Iglesias (8 semanas)
- 2000 "No cambié", Tamara (9 semanas)
- 2001 "And then there was silence", Blind Guardian (2 semanas)
- 2002 "No sufir", Christie (2 semanas)
- 2003 "Nothing fails", Madonna (2 semanas)
- 2004 "Todo nos parece una mierda", Astrud (3 semanas)
- 2005 "A pain that I'm used to", Depeche Mode (1 semana)
- 2006 "Antes que ver el sol", Coti (4 semanas)
- 2007 "Himno Oficial Sevilla F.C.", El Arrebato (12 semanas)
- 2008 "Miles Away", Madonna (primera semana)

Como habréis comprobado, salvo honrosas excepciones, la lista retrata un poco la cultura musical española del último medio siglo. Si, conocemos las razones principales, pero vaya lista...En fin, enhorabuena Alex.

Yo ya te lo dije

sábado, 20 de diciembre de 2008

Nick Drake

Nick Drake es un cantautor folk conocido por sus melodías preciosas y sus tristes letras. Mientras vivió sus discos no tuvieron apenas repercusión, quizás lastrados por su reticencia a tocar en directo, pero tras su muerte y con el paso de los años artistas de la talla de Paul Weller, Robert Smith o Badly Drawn Boy lo han citado entre sus mayores influencias, lo que ha hecho que su música sea mucho más conocida.

Nick Drake nació en Birmania en 1948. Creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, donde vivió con sus padres. Sólo publicó 3 álbumes en su corta carrera, y en una gris mañana de 1974 fue encontrado muerto en su habitación a la edad de 26 años con una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para dormir. No se sabe si fue suicidio o muerte accidental, como en la mayoría de estos casos.

Como he comentado anteriormente sólo llego a publicar 3 álbumes de estudio, “Five Leaves Left”, “Bryter Later” y “Pink Moon”. El primer disco, “Five Leaves Left”, fue publicado en 1968. Es el disco más exuberante en términos de arreglos, a la voz y la guitarra (que, por cierto, toca de una manera bastante original, y que nadie después ha imitado) de Nick se le unen instrumentos de cuerda para dotarlas de más fuerza. En esta grabación Nick tuvo problemas con el productor, Joe Boyd, y recurrió a un viejo amigo suyo, Robert Kirby, que comprendió mucho mejor el sonido que Nick quería. El disco comienza con Time has told me, y la voz de Nick se va metiendo poco a poco en nuestras cabezas. River man, Cello song o Fruit tree son algunas de las otras joyas que aparecen. En Fruit Tree, canta Nick: “Fame is but a fruit tree. So very unsound. It can never flourish Till its stock is in the ground”, es decir, que la fama es tan poco sólida como un árbol frutal, nunca florece hasta que su tronco yace en el suelo. Qué proféticas esas palabras en relación a la vida de Drake.

El segundo álbum, “Bryter Later”, es el más “alegre” en su carrera. Las melodías en esta ocasión comparten escenario con saxos, flautas y ritmo de piano. En este disco aparecen las dos Hazey Jane, la tristuna Fly (revisada recientemente por The Soundtrack of our Lives) o la majestuosa Northern Sky, que Los Planetas osaron versionar. La grabación del disco fue muy larga porque Nick buscaba la perfección en él, y quedó muy orgulloso del resultado. La decepción con las pocas ventas del disco fue mayúscula para Nick, aunque la compañía, Island Records, quedó satisfecha.

Y llegamos al último disco de su carrera, mi favorito, “Pink Moon”. Drake estaba sumido en una grave depresión, y el disco fue grabado en dos noches, sin otro acompañamiento que su guitarra y un piano. El ingeniero de sonido pensó que eran grabaciones preliminares, y le preguntó a Nick sobre los arreglos que quería, y éste le respondió con un escueto “No frills”, es decir, nada de florituras. Sin dar explicaciones, Nick dejó la cinta en Island y se marchó a su casa. El disco tuvo incluso menos aceptación que los anteriores. Son 28 minutos de melancolía, crudeza, desesperación. Comienza con Pink Moon, “I saw it written and I saw it say…”, y nos adentramos en su mundo. Which will, Road, Harvest Breed, son algunas de las mejores canciones. El disco se cierra con From the morning, las últimas palabras que escuchamos son “So look see the sights. The endless summer nights. And go play the game that you learnt. From the morning.”

Para conocer la obra de Nick, recomiendo el recopilatorio “Fruit tree”, que trae los tres discos (o vinilos) más el documental “A Skin Too Few”, más que interesante para conocer más detalles de la vida de Nick en boca de sus productores o su hermana. También hay un libro muy recomendable, de la editorial Metropolitan, dependiente de Mushroom Pillow, “En busca de Nick Drake. Más oscuro que el más profundo mar”, escrito por el crítico Trevor Dann. Además de los tres discos, también existen muchos recopilatorios, como Time of no reply o Family tree.

Para terminar, voy a contar algo no muy conocido. El actor Heath Ledger, el último Joker, estaba obsesionado con la música de Nick Drake. Hablaba mucho de escribir un guión sobre la vida de Drake, y como el proyecto se iba retrasando, él mismo grabó su propio video musical de la canción de Drake "Black eyed dog", en el que terminaba ahogándose en su bañera. El destino quiso que Heath tuviera una muerte parecida a la de Nick, con una sobredosis de pastillas, y a una edad similar, 27 años.

Pablo

lunes, 15 de diciembre de 2008

Música & Drogas III



Nuevo capítulo de la colección sobre música y drogas, hoy os dejamos con las andanzas de Jason Pierce y sus dos proyectos más importantes. Por su "rastro" los reconoceréis...




LA HEROÍNA EN SPACEMEN 3 Y SPIRITUALIZED
TAKING DRUGS TO MAKE MUSIC TO TAKE DRUGS TO...

German Lázaro

En 1982, en plenas midlands inglesas (en Rugby, población cercana a Birmingham), Peter Kember (Sonic Boom) y Jason Pierce (J.Spaceman), forman Spacemen 3. Durante los primeros años, el grupo se dedicará únicamente a ensayar e improvisar música, hasta que en 1986 aparece su primer álbum Sound of Confusion, trabajo de formación en el que empiezan a perfilarse sus gustos musicales, que no son otros que algunas de las bandas más extremas del rock americano de finales de los años sesenta: Iggy & The Stooges, Mc5, The 13th Floor Elevators, The Red Crayola, The Velvet Underground, Silver Apples.
.....
Con su segundo y tercer disco, The Perfect Prescription (1987) y Playing wih Fire (1989), además de ser sus mejores trabajos su sonido ya está plenamente conformado. Además, otra música tendría una gran influencia sobre ellos: el minimalismo neoyorquino de La-Monte Young y Terry Riley, del que tomaron, como antes ya había hecho Velvet Underground, las estructuras repetitivas y mesméricas, esos mantras que a fuerza de repetirse acaban generando imágenes de modo inconsciente, como en una sesión de hipnosis, o bien, como bajo los efectos de un opiáceo.
...
Hemos visto los orígenes musicales de Spacemen 3, situémoslos ahora en su tiempo: la revuelta punk había concluido unos años antes. La new wave, 'nueva ola', de imposible definición porque sin ser nada concreto todo cabía en ella, estaba hiperatomizada. Se puede añadir que en los suburbios ingleses la juventud padecía una falta de perspectivas y de esperanzas gracias a la política (a)social de Margaret Thatcher. En contextos como ése, drogas y música suelen presentarse juntas. En el casom de Jason y Peter, la droga que acabará definiéndolos de alguna manera será la heroína (de hecho, The Perfect Prescription relata a través de sus canciones una experiencia completa con ella).
...
Epígonos
...
En 1991 aparece el que será el último álbum oficial de Spacemen 3, Recurring. Las cosas están tan mal entre ellos que se reparten las caras de dicho disco, haciendo cada uno lo que quiso en la suya. El resultado apunta ya lo que serán los caminos que tomarán en sus respectivos grupos, Spectrum y Spiritualized (nótese la obsesiva conjunción de las letras SP), aparentemente parecidos , pero que si uno oye con detenimiento encontrará diferencias insalvables, aun surgiendo de un mismo magma. Sonic Boom forma Spectrum (nombre que ya había empleado en un lp en solitario grabado en 1990). El primer disco, que aparece en 1992, Soul Kiss (Glive Divine), es una continuación de us cara en Recurrieng. Algún tema de pop electrónico bastante decepcionante más largas y elaboradas, pero a la postre tediosas y autoindulgentes, esculturas sonoras realizadas con la guitarra y variados electrónicos. Con frecuencia, muy cerca de la música planeadora.
...
Otra cosa es lo de Jason y Spiritualized. Con varios discos oficiales de estudio, uno en directo y un montón de maxis, singles, etc., Jason logra hacer una música que puede gustar más o menos, pero que en cualquier caso representa todo lo positivo de Spacemen 3 llevado hacia un horizonte no cerrado, como el cul-de-sac, que es Spectrum. Los tres primeros cds, Lazer Guided Melodies (1992), Pure Phase (1995), Ladies and Gentlemen We are Floating in Space (1997), más temas sueltos pertenecientes al cuarto, Let it Come Down (2000)*, conforman una música que se ha convertido en un objeto precioso, elaborada con un gusto y una atención el detalle extremos, y además con una fuerza emotiva encomiable. La integración de músicas negras del sur, como el gospel, y hasta el free jazz, ha sido definitiva en el resultado final.
...

* recordamos que el artículo original fue publicado en el número especial, "Música & Drogas", de la Revista CAÑAMO de Diciembre de 2003.
...
Yo ya te lo dije

jueves, 11 de diciembre de 2008

Sam Cooke

Si ayer se cumplían 41 años de la muerte de Otis Redding, hoy, curiosamente un día después (lo que llevó a levantar diferentes conjeturas) se cumplen 44 de la desaparición de otra de las figuras indiscutibles en la historia del soul, Sam Cooke.

Al igual que Otis, murió joven, a los 33 años de edad y también lo hizo en extrañas circunstancias. Cooke actuó en Los Angeles el 11 de Diciembre de 1964. Tras el recital parece que intimó con una mujer casada. Y aquí es donde encontramos diferentes versiones de lo acaecido en el motel donde fue la pareja con intenciones de pasar la noche (el Hacienda Motel). Hay quien defiende que fue el marido de la ocasional amante de Sam Cooke quien descargó su rabia y sus celos disparando el arma (del calibre 22), vaciándole el cargador en el pecho.

Por otro lado, la versión más extendida es la de que fue la propia dueña del motel, quien sin reconocer a Cooke y únicamente apreciar a un negro forcejeando con una mujer blanca no dudó en disparar al cantante y acabar así con la vida de uno de los precursores del soul.

La razón del forcejeo en el pasillo del Motel sería que la conquista de Sam Cooke aquella noche habría escapado con el dinero de éste, aprovechando que el apuesto soulman se estaba preparando en el baño para el acto amatorio. Cooke al percibir la ausencia tanto de la chica, como del dinero, corrió escaleras abajo, dando alcance a la que hasta hace unos instantes iba a compartir lecho con él. Comenzó entonces un forcejeo que ya sabéis cómo terminó, según una de las hipótesis, insisto.

Fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale (California).

Sam Cooke dejó un legado musical importante, no obstante llevaba cantando desde 1950, cuando formaba parte de The Soul Stirrers. La canción que proponemos hoy, sin embargo, fue una publicación póstuma de RCA. Se trata de "A change is gonna change", grabada el 21 de Diciembre de 1963, que alcanzaría el número 9 de las listas de Billboard Black Singles y al 31 en las de POP.

Era una ápoca dificil para la comunidad afroamericana y la canción se convirtió en un himno por los derechos civiles. Si Sam Cooke pudiera ver que un negro ha llegado a ser presidente de su país...(si, lo sé,pero aún así).
.....
Antonio


miércoles, 10 de diciembre de 2008

Octavillas


El 10 de Diciembre de 1966, se redactaba el siguiente comentario, que aparecería en la sección de Breves (pero mucho,añadiría yo) del diario La Vanguardia del día siguiente, a tan sólo tres días del Referendum en el que se sometía a la voluntad de los españoles (ja, ja) la Nueva Ley Orgánica del Estado, una de las siete leyes fundamentales, y mediante la cual se acordaba la continuidad del régimen en la persona de Juan Carlos de Borbón (aunque éste no juraría los pp.ff. del movimiento hasta 1969). Es curioso el trato que daba el "periodista" a aquellos rebeldes abstencionistas.

Página 8.... LA VANGUARDIA ESPAÑOLA ....DOMINGO 11 DICIEMBRE DE 1966
Oviedo: Octavillas comunistas contra el referéndum

Oviedo, 10.- En un barrio de esta ciudad han aparecido octavillas subversivas que, con bajo estilo, instaban al pueblo a abstenerse en el referéndum. Los panfletos, acogidos con indignación por las escasas manos a las que llegaron, iban firmados por el Comité Central del Partido Comunista de España y se supone que han sido enviados desde algún país extranjero.- (Fiel)

....

Poca repercusión la de estas octavillas, quizás hasta nuestro primer número impreso (heredero de aquel espíritu contestatario) haya llegado a más gente. Se trata de una edición limitada y gratuita repartida durante el fin de semana pasado y en la cual queríamos presentarnos en sociedad, informar de nuestra existencia y convertirnos así en uno de los últimos bastiones de las publicaciones contraculturales de la ciudad. Esperamos poder continuar con esta romántica empresa.

Yo ya te lo dije

Otis Redding

Los accidentes de avión han sido, junto con al abuso de los estupefacientes, una de las causas de muerte prematura más "frecuente" dentro del mundo de la música. El caso más emblemático fue, quizás, el que acabó en un fatal desenlace con las vidas de Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper en 1959, pero a éste lo acompañan multitud de tragedias similares, como las de Steve Ray Vaughan (1990); Ronnie Van Zant, Steve Gaines y Cassie Gaines (miembros de Lynyrd Skynyrd en 1977); Randy Rhoads (guitarrista de Ozzy Osborne,1982); Patsy Cline (1963); John Denver (1997); Ricky Nelson (1985); Glenn Miller (1944); Paul Avron Jeffreys (bajista de Cockney Rebel, 1988); Jim Croce (1973) o Kyu Sakamoto (1985).

Sin embargo, la mayor estrella, sin duda perecida en estas circunstancias fue, en mi opinión, Otis Redding, que lo hizo tal día como hoy, hace 41 años (10/12/1967) a los 26 años de edad, al estrellarse su avión (un Beechcraft H18) contra el lago helado de Monona, cerca de Madison (Wisconsin), junto a cuatro miembros de su banda de acompañamiento, The Bar-Keys, y a tan sólo tres minutos de su destino.

Moría uno de los más firmes candidatos a ocupar el trono del soul universal, un hombre que trascendió a su tiempo sentado en una bahía, que hizo más grandes, si cabe, a los sellos Stax y Atlantic, y a cuyo funeral asistieron, entre otras 5000 almas desgarradas, las de Aretha Franklin, Stevie Wonder y James Brown. Cantaron en el mismo Joe Simon y Johnny Taylor, acompañados al piano por Booker T. Jones, mientras el feretro lo trasportaban Sam & Dave junto a las cabezas visibles de la casa Volt.

Ese mismo año, la revista británica Melody Maker lo había nombrado la "voz del año". Por eso, hoy nos quedamos con "Knock on Wood", su último single publicado en vida, como canción para certificarlo y hacer este frío día de invierno un poquito más llevadero.

Esta canción salió en single en Agosto de 1967, la interpretaba junto a Carla Thomas, contenía el tema "Let me be good to you" en su cara b, y alcanzó el número 8 en las listas de R&B, el 30 en las de POP (en ambos casos en USA), así como el número 35 en las listas británicas.

Reverencia.

Antonio

martes, 9 de diciembre de 2008

El Hombre Bombilla

Otro día 9 más queremos recordar desde Yo ya te lo dije al Hombre Bombilla, Sergio Algora, el Rey Muerto. Para hoy hemos elegido el relato titulado "ZGZ Confidential" publicado el 17 de Noviembre de 2006 por El Heraldo de Aragón. Inquietante y personal, Algora jugando al despiste agarrado a una botella.

"ZGZ Confidential", por Sergio Algora (17/11/2006)

Ayer me levanté con el cuerpo dolorido. Pensé que era otra vez por culpa de que los bares cierran muy tarde y por mi dichosa manía de entrar en todos ellos. Cuando me miré en el espejo del baño, vi que alguien me había "tocado" la carita. El ojo derecho casi no lo podía abrir y mi labio inferior tenía un bonito rosal de sangre coagulada. O bien había dicho cosas inadecuadas o no había querido hablar.

Desde que decidí saber quién había entrado en casa de mis padres y, tras atarlos en las sillas de la cocina, le había quemado a mi hermana varias veces en los muslos con un cigarrillo mientras preguntaba por unas fotos, mi vida se había complicado. Me dejan correos amenazantes en mi cuenta del periódico y es la segunda vez en una semana que me canean bien caneado.

Por lo menos de la otra vez recuerdo dónde y quién me sacudió. Me pegaron dos policías municipales en la puerta del Sandorff Club. Yo pasaba por allí de puñetera casualidad y dos jóvenes y apuestos funcionarios me abrieron una ceja y la mente a sopapos. También querían saber el escondite de unas fotos. "Las fotos y nos olvidaremos de ti, sin fotos tú nunca te olvidarás de nosotros", me dijeron mientras me pateaban un poco. Tuve que entrar al club Sandorff a reponerme, claro.

Los caminos del señor son inescrutables, amigos. La paliza había sido buena así que hablé con una de las chicas que trabajan allí para que me alquilara una habitación y me diera alcohol de beber, alcohol de curar y vendas. Mientras la samaritana guineana me atendía en privado me habló de otro club en el que se celebraban fiestas privadas con "señores importantes". Y así estoy, de bar en bar investigando y cogiendo unas borracheras que hacen inútiles todas mis averiguaciones.

De repente llama mi padre, dice que mi hermana pequeña se ha ido de casa y que registrando su habitación la policía ha encontrado una foto del alcalde y ella juntos. A la salida de casa un coche patrulla esperaba a la puerta a los otros dos agentes y se los han ventilado. Los han dejado agonizando en el suelo y se han llevado la foto del jefe de la ciudad con mi hermanita. Los polis asesinos le han dicho a mi padre que no se preocupe, que tendrá a la chica de la foto en casa en 24 horas.

Yo ya te lo dije

Felicidad razonable



Hoy, 9 Diciembre, cumple 34 años Ignacio González Vegas (¿Creéis que habría triunfado de la misma manera en el caso de haber elegido "Nacho González" como nombre artístico?), más conocido como Nacho Vegas. El asturiano acaba de publicar "El manifiesto desastre" (Limbo Starr, LS0281), su cuarto trabajo en solitario y del que os hablaremos próximamente. Todo esto ya lo debéis conocer, ávidos buceadores de la actualidad pop, lo que sin embargo, seguramente ignoréis es el hecho de que el Señor Vegas hizo su primera incursión en el mundo de la música en Francia, más concretamente en el coro de la Escuela Correccional Fond de L'Etang ("Los chicos del coro")...¿Se parece de verdad o debería empezar a preocuparme seriamente por lo mío?
.......
Antonio

viernes, 5 de diciembre de 2008

Clásicos básicos (o no)

.....,,,.The Beach Boys Today! 1965

La edición de este disco a principios de 1965 marcó el comienzo de una nueva etapa en el trabajo de Brian Wilson, el más grande compositor de la época más fructífera de la historia de la música popular.

Today era el primer trabajo que realizaba tras un colapso nervioso al final del año anterior. Este hecho, provocado a partes iguales por la gran presión que soportaba en los Beach Boys (prácticamente era el único compositor de una obra que ya abarcaba 8 álbumes y 16 singles) y una enfermedad mental incipiente , le había empujado a abandonar las actuaciones en directo y centrarse exclusivamente en el trabajo en el estudio(los Beatles tardarían dos años en tomar una decisión semejante).A partir de entonces, los otros miembros del grupo son sustituidos por músicos de sesión(algunos legendarios con el paso del tiempo)siendo relegados, durante el resto de la década , a un segundo plano donde poco aportarían mas que sus voces. Ellos pasearían por el mundo la franquicia Beach Boys, Brian fabricaría los éxitos.

Liberado de las giras comienza a dar rienda suelta en el estudio a un talento que esta creciendo por momentos. En este álbum ya emplea toda la metodología que el año siguiente le serviría para elaborar su obra magna ,Pet Sounds. Empieza a componer bajo el influjo de las drogas (aquí la marihuana, el LSD aun no había aparecido en su vida), experimenta con instrumentos ajenos al pop tradicional (!When I Grow Up To Be A Man tiene un clavicordio¡), graba por separado a cada músico.

Estos, cada vez mas extrañados por las bizarras indicaciones que la joven estrella les daba, solo aceptan a regañadientes al comprobar, canción tras canción, que lo que parecía un caótico maremagnum de notas en cada pista, se convierten una vez unidas en piezas casi perfectas.

El disco, el noveno de los Beach Boys, apareció el 1 de marzo de 1965 y en él ejecuta la mas inteligente maniobra de su carrera. Agrupa en su cara a las canciones mas inmediatas, las mas radiables y directas, cubriendo el cupo de éxitos necesario para el disco y deja la cara b para unas composiciones mas complejas, que precisan de una escucha mas difícil y atenta, presentando una atmósfera común, en la música y las letras (a veces sobrecogedoras), que opera como un hilo conductor nada obvio.

El álbum no puede tener mejor comienzo (¿Wouldn´t Be Nice quizás?)Do you Wanna Dance, cantada por Dennis Wilson, y versión de Bobby Freeman, es una actualización del sonido característico del grupo a los nuevos tiempos, cumpliendo la amenaza del titulo. Le siguen Good To My Baby y Don´t Hurt My Little Sister, lo mas flojo del disco (esta última ofrecida a las Ronnettes y que Spector rechazó).

El resto de la cara a ,When I Grow Up To Be a Man , Help Me Ronda, (diferente de la versión que saldria como single) y Dance ,Dance ,Dance son clasicos de los Beach Boys, de una instrumentación exuberante e intrincada (comienza a utilizar de forma maestra la pandereta) pero accesibles al mismo tiempo. Las tres fueron sencillos de éxito, incluso la última de estas todo un numero uno.

Es a partir de Please Let Me Wonder , el comienzo de la segunda cara del disco, donde la musica de Brian Wilson alcanza un nuevo nivel, desconocido incluso para los que le rodeaban. Aunque con solo 22 años había escrito alguna de las obras maestras de la música los 60 (I Get Around ,In My Room son solo ejemplos) es en este momento cuando su talento se desboca, no solo creando unas texturas musicales a años luz de sus contemporáneos sino también como un gran letrista, sencillo y sincero, a veces incluso de forma casi dolorosa.

Todas las canciones de esta cara b son extraordinarias (Bull Sessions solo se puede considerar como una broma privada, un ataque a un padre que le habia maltrado desde pequeño), I´m So Young es una gran versión de The Verónicas (Spector siempre presente) y Kiss My Baby es lo mas parecido a una canción de Pet Sounds. Pero Please Let Me Wonder (una de las preferidas por los fans) con una interpretación vocal mayúscula por parte de Brian (pura fragilidad) , y las inquietantes She Knows Me Too Well e In The Back Of My Mind son de lo mejor de la historia. Esta última impresiona aun mas con el paso del tiempo, incluso, desarrollándose en su estructura como la propia vida del autor. Nace dulcemente con la voz de Dennis celebrando sus logros, muriendo como un quejido de dolor rodeado de una marea de instrumentos inconexos por el miedo a perder la cabeza.

El disco fue un éxito rotundo, un cuarto puesto de ventas en una época de dura competencia, marcando la entrada de su autor en la edad adulta y la madurez compositiva.

Siete meses después, impresionado tras la escucha del nuevo LP de Los Beatles , se decide a escribir un álbum que lo superase , una pequeña sinfonía, su obra más ambiciosa hasta el momento.

El disco a superar era Rubber Soul. El disco que lo superó fue Pet Sounds. Comenzaba una competición a ambos lados del atlántico para escribir el mejor disco de pop de todos los tiempos.

César

miércoles, 3 de diciembre de 2008

40 años de reggae

¿Sabéis quien empezó a utilizar el término “Reggae”? ¿No? Pues os lo digo yo, fueron los jamaiquinos Toots & The Maytals. Y lo hicieron, precisamente en su canción de 1968 “Do the reggaey”, toda una declaración de principios de la que se cumplen 40 años.

Toots es Frederick Hibbert, el lider de la banda, nacido en 1945 en Jamaica (Clarendon, en la región de My Pen) en cuya iglesia estuvo cantando gospel hasta que se trasladó a Kingston con 16 años, donde conoció al resto de los Maytals (Henry Gordon y Nathaniel McCarthy).

Ese mismo año 1961, formaron el trío que se llamó únicamente The Maytals en sus orígenes, y que en 1963 publicaría lo que sería su album de debut, “Never grow old –presenting The Maytals”, en el famoso Studio One. Como la mayoría de grupos de la isla, practicaban un ska vertiginoso, que paulatinamente se fue ralentizando con el paso de la década.

En 1965 vería la luz “The Sensational Maytals” segundo larga duración del trío y último que firmarían tan sólo como The Maytals. Más tarde ganarían su primer Jamaican Festival Song (que sería como nuestro festival de Benidorm) con “Bam, Bam”, festival que volverían a ganar otras dos ediciones, antes de retirarse del mismo para dejar paso a nuevos talentos.

Habían alcanzado un éxito notable gracias a singles como “Hallelujah“ (su primera referencia), “Dog War”, “Fever”,“Daddy/It’s you” o “Never you change”, contando en algunos de ellos con la colaboración del excelso Lee Perry, nada menos. Cada sencillo era un nuevo triunfo, y es por eso que para evitar el pago de royalties, llegaron a grabar bajo diferentes nombres, tales como The Royals, The Flames o The Vikings.

Toots fue, posteriormente, encarcelado por posesión de marihuana, lo que paralizó la actividad del grupo, pero circunstancia ésta que los llevó a firmar la que es, posiblemente, la mejor canción de Toots & The Maytals, “54-46 That’s my number”, en alusión al número que, como preso, le había tocado en suerte al cautivo señor Hibbert.

También de la época son “Pressure drop” o “Monkey man”, que se convirtió en su primer éxito más allá de la isla, así como la participación en la película “The harder they come” (con Jimmy Cliff), incluyendo en la banda sonora de la misma, la propia “pressure drop”, así como “Sweet and dandy”.

En la década de los setenta Toots & The Maytals facturaron discos enormes, de gran calidad y repercusión. “Funky Kingston”, “In the dark” o “Reggae got soul” son prueba evidente de ello, no obstante, los Who, tras la grabación de éste último, invitaron a Toots & The Maytals a telonearlos.
A finales de esa misma década, con el resurgir del ska y el reggae en esa Inglaterra inmersa en el thacherismo y el revival, gozaron de gran repercusión entre la juventud británica, e incluso fueron versionados por los Clash y los Specials. Los skinheads (los de verdad) los subieron definitivamente a sus altares, en los que todavía se mantienen.

En los años posteriores, Toots & the Maytals han continuado publicando material nuevo, así como tocando en directo por todo el mundo y siendo agasajados con diferentes premios (Grammy, inclusión en el Rock & Roll Hall of Fame).

Un grupo, sin duda, especial dentro de la historia del reggae, ya que su inspiración espiritual procedía principalmente del cristianismo y no de los rastas, debido a la presencia, desde pequeño, de Toots en la Iglesia, donde formó parte del coro, un entrenamiento perfecto para su voz que le dotó de esas raíces soul y gospel que podemos encontrar en sus canciones.

Antonio

lunes, 1 de diciembre de 2008

C-86 (la cinta)

Era marzo de 1998, César se acaba de comprar el número 150 del Rockdelux (Jarvis Cocker en la portada) en Valencia y llegó entusiasmado con el casete que regalaba la revista en aquella ocasión.

Se trataba de una selección de grupos del sello Creation que incluía a The Jesús & Mary Chain, Teenage Fanclub, St. Etienne, Bernard Butler, Primal Scream, Hurricane#1, Ultra Living, Arnold y 3 Colours Red. Molaba, definitivamente molaba cuando nos la pinchaba en alguna sesión etílico rocanrolera en su antigua casa.

Gracias a esta cinta descubrimos que el New Musical Express ya hacía esos obsequios desde hacía un tiempo. Tanto es así que se habían llegado a crear “pequeñas escenas” alrededor de sus cintas más logradas. De especial mención son las c-81 y c-86, que habían recibido esos nombres como homenaje a las cintas caseras que se grababan por la época (c-60, c-90), y en clara alusión al amateurismo encantador de alguno de los grupos que en ellas despuntaban.

La cinta c-81 nació en plena evolución de la New Wave, impulsada por el sello Rough Trade, y agrupó a bandas que usaban las guitarras como motor principal de expresión. Grupos como Buzzcocks, Pere Ubu, The Raincoats, The Aztec Camera, Blue Orchids, Red Crayola, Cabaret Voltaire, The Beat o los Orange Juice de Edwin Collins.

Una recopilación vibrante, en suma, la del c-81 que ponía el listón muy alto a la que supondría su tardía continuación, c-86. La cinta número 23 en la historia de la reconocida revista británica (NME 022) y que se enviaba a los lectores por correo previo pago de unas míseras libras.

Pese a la presencia de grupos con un sonido más “duro” en la recopilación, el C86 ha trascendido como una generación de grupos influenciados por el éxito enorme de los Smiths, el twee, el jangle y las guitarras cristalinas de los Byrds. Un total de 22 grupos, y abriendo la cinta unos incipientes Primal Scream (con un look y unas querencias evidentes hacia, precisamente, The Byrds) abordando su “Velocity Girl”, canción que, podríamos decir, fusilaron The Stone Roses años después titulándola “Made of Stone”. Encontramos, además, a otras leyendas alternativas como The Wedding Present, The Soup Dragons o The Pastels, entre otras bandas que apenas trascendieron o que poco más llegaron a publicar.

Un abanico interesante de grupos, actitud punk, filosofía DIY (do it yourself), para una antología de lo que podemos denominar nacimiento del indie tal y como se entendió después. Se echan en falta algunas bandas de la época que bien podrían haber sido incluidas (Televisión Personalities o The Swell Maps) y otras, que después han ido asociadas a ese movimiento y que, sin embargo, no aparecían en la cinta (Talulah Gosh o The BMX Bandits). Lo que no resta un ápice de calidad a este documento histórico de la música contemporánea.

El listado completo de canciones que componía la cinta es el siguiente;

Cara A

1. Primal Scream. Velocity Girl
2. Mighty Lemon Drops. Happy Head
3. The Soup Dragons. Pleasantly Surprised
4. Wolfhounds. Feelig so strange again
5. The Bodines. Therese
6. Mighty Mighty. Law
7. Bogshed. Run to the temple
8. Stump. Buffalo
9. A Witness. Sharpened Sticks
10. The Pastels. Breaking Lines
11. Age of Change. From now on, this will be your God

Cara B

1. Miaow. Sport most royal
2. Close Lobsters. Firestation Flowers
3. Half Man Half Biscuit. I hate nerys hughes (from the heart)
4. The Servants. Transparent
5. Mackencies. Big Jim (there’s no pubs in heaven)
6. Big Flame. New way (quick washand brush with liberation theology)
7. The wedding Present. This boy can wait (a bit longer)
8. Shop Assistants. It’s up to you
9. We’ve got a Fuzzbox. Console me
10. Mc Carthy. Celestial city
11. The Shrubs. Bullfighter’s bones

El espíritu c-86 lo mantuvieron posteriormente vivo algunas discográficas (con Sarah Records a la cabeza, pero también otras, entre las que incluiría a Elefant Records) y bandas como Belle & Sebastián, Bis, Momus o los diferentes proyectos de Amelia Fletcher. Pero esto es ya otra historia.

Antonio


jueves, 27 de noviembre de 2008

40th aniversario

El 27 de noviembre de 1968 se publicaba en el Reino Unido el álbum “The Beatles”, más conocido como el disco blanco (“The White Album”) de los de Liverpool, el décimo en su carrera y uno de nuestros discos favoritos.

Este trabajo es muy conocido por la minimalista portada, cuyo autor, Richard Hamilton, compuso con somera elegancia, a la vez que proponía el título del álbum.

También suele haber consenso a la hora de considerarlo un punto de inflexión en la carrera de los Beatles, quienes, recién llegados de la India con la maleta llena de canciones, aun no se habían repuesto completamente de la muerte de su manager, Brian Epstein, el año anterior. A esto, hay que añadir la consolidación de un personaje clave para la historia de la banda, la japonesa artista de vanguardia, Yoko Ono (“la artista desconocida más famosa del mundo...”, según el propio Lennon).

De este álbum pocas cosas podemos descubrir a estas alturas. Contiene algunas de las mejores composiciones del cuarteto, donde cada uno de los miembros demuestra su capacidad compositiva individual, alcanzando cotas difíciles de igualar, pero desencadenando una lucha de egos irreversible. Sin embargo, parece que este clima de tensión ayudó en el proceso de grabación de este álbum doble con el que alcanzarían su cima compositiva.

En el primer disco nos encontramos canciones de categoría incuestionable, como el baladón “While my guitar gently weeps” obra de Harrison, las ensoñadoras “I will”,
“Julia” (dedicada por Lennon a su tía) o “Blackbird”, además de la archiconocida, y algo trillada, “Ob-la-di-, Ob-la-da”, entre un total de diecisiete temas.

Mientras, el segundo, sin bajar el nivel, parece ganar en potencia, y nos ofrece para nuestro deleite, esa llamada a la revolución, “Revolution#1", con su secuela experimental “Revolution#9”; “Sexy Sadie” que, según Lennon, su autor, estaba inspirada en “I’ve been good to you”, de Smokey Robinson & The Miracles, nada menos. El blues británico toma forma en “Yer blues”, y el germen del heavy (eso cuentan) lo hallamos en “Helter Skelter”.

Se trata de un recorrido estilístico sin precedentes con canciones de tinte personal (“Dear Prudence” se la dedicaron a Mia Farrow, quien coincidió en sus cursos experimentales con los fab four) influenciadas, en definitiva, por su estancia en la India y también, en cierta medida, por la música de Donovan, otro compañero de andanzas orientales.

El disco, único doble en su carrera, lo orquestó y produjo George Martín quien prefería reducir el número de composiciones para grabar así tan sólo las mejores en un único álbum. El grupo se opuso y éste se publico con 30 canciones (por primera vez por Apple). Pese a ello, hubo todavía varios temas que no pasaron el tamiz de Abbey Road.

En la “Antología de The Beatles” por ellos mismos, encontramos diversos pasajes interesantes en relación con este trabajo:

JOHN: “Glass onion” es mía, una canción sin importancia, a lo “Walrus”, al estilo de todo lo que he escrito. Incluí la frase “the walrus was Paul” sólo para confundir al personal. Pude haber dicho “el fox terrier es Paul”. Un poco de poesía, eso es todo. Me reí mucho porque dijeron muchas estupideces sobre Pepper...lo tocas al revés y haces el pino y todo eso.
Durante esa época yo seguía en mi nube de amor con Yoko. Pensé en decirle algo agradable a Paul:”Enhorabuena, has hecho un buen trabajo, has conseguido mantenernos unidos durante todos estos años”. Él era quien se encargaba de organizar el grupo, y yo quise reconocérselo. Pensé:”Se lo merece, yo tengo a Yoko. Te concedo todo el mérito”.
Incluí esa frase porque me sentía culpable por estar con Yoko y abandonar a Paul. Es una forma perversa de decir a Paul:”Toma esas migajas, esa ilusión, esa pincelada, porque yo me largo”.

PAUL: Una de las cosas más atractivas del álbum era la carátula. Yo tenía muchos amigos en el mundo del diseño, y con Sgt. Pepper había trabajado con Robert Fraser. Conocía a muchos artistas a través de él, y uno de sus colaboradores en aquella época era Richard Hamilton.

Yo había asistido a un par de exposiciones y me gustaba el trabajo de Richard, de modo que lo llamé y le dije: “Vamos a sacar un nuevo álbum.¿Te gustaría diseñar la carátula?” Richard aceptó, y entonces pregunté a los otros si estaban conformes. Dijeron que si y que me encargara del asunto.

Yo iba a casa de Richard en Highgate para hablar con él del tema, y un día dijo: “Consígueme todas las fotos que tengáis de cuando erais bebés o niños y haremos un collage”.(...)
Cuando Richard hubo terminado, dijo: “Ye tenemos el póster, ¿Qué vamos a hacer sobre la carátula?¿Cómo se titula el álbum?” Luego preguntó: “¿Tenéis algún álbum titulado The Beatles?” Yo respondí que no, pero lo verifiqué porque no estaba seguro Siempre los titulábamos Beatles For Sale, Meet The Beatles, With The Beatles o algo parecido, pero no existía ninguna que se llamara simplemente The Beatles. Richard dijo que deberíamos titularlo así, y todos se mostraron de acuerdo.

Richard, que es muy minimalista, quería que la carátula del disco fuera totalmente blanca con la palabra “Beatles” inscrita en ella. Por otra parte, tenía un amigo al que le gustaba emborronar un poco los diseños con un pedazo de chocolate o lo que fuera, de modo que Richard decidió añadir una “mancha de manzana” sobre un pedazo de papel. Eso resultó muy complicado, de modo que dijimos: “Deja la cubierta completamente blanca”.

Luego se le ocurrió la idea de numerar cada álbum, lo cual me pareció interesante de cara a los coleccionistas. Habría el álbum 000001, 000002, 000003 y así sucesivamente. Si uno adquiría el 000200, por ejemplo, significaría que era un álbum antiguo, lo cual era una idea fantástica desde el punto de vista comercial. No fue fácil convencer a los de la EMI, quienes dijeron que no podían hacerlo. Yo insistí. “Es como un cuentakilómetros. No veo por qué va a ser tan complicado numerar cada disco que sacáis al mercado”. Por fin hallaron el medio de hacerlo. Creo que al cabo de un tiempo dejaron de numerar los álbumes, de modo que no todos los álbumes “blancos” tienen un número. Pero fue una buena idea y nosotros conseguimos los primeros cuatro. Creo que John consiguió el primero. Fue el que gritó más fuerte.

RINGO: Yo conseguí el número uno, porque soy un encanto. John, sin embargo, podía ser la persona más amable y cariñosa, cuando quería. No era tan cínico como la gente piensa. Yo conseguí el número uno aquí y el número cuatro en América.

GEORGE: Resultaba chocante ver a Yoko sentada todo el tiempo. No es que Yoko nos cayera mal o no nos gustara que hubiera una extraña presente, pero capté unas vibraciones que me preocupaban. Eran una vibraciones muy extrañas.

Ahora os toca a vosotros buscar esos intrigantes mensajes ocultos que, según se ha mantenido históricamente, contienen varios de los trabajos de los beatles, entre ellos el disco blanco. Avisadnos sobre nuevos descubrimientos.

Yo ya te lo dije


Gloria Fuertes

Esta ‘rara avis’ de la Literatura española nació en el madrileño distrito de Lavapiés allá por 1917. Conocida por su etapa como “poetisa de los niños” a raíz de su propia auto caricaturización tras poner letra a la sintonía del programa “Un globo, dos globos, tres globos” a mediados de los años 70, cuenta, sin embargo, con una vastísima obra de poesía para adultos de un valor considerable y marcada, en gran medida, por los dos hechos que determinaron su vida; la guerra incivil (como ella la llamaba) y la muerte de su madre.

Esta escritora autodidacta (nunca fue a la Universidad como estudiante, aunque paradójicamente, si como profesora) dotada de un estilo imprevisible, de gran originalidad y profundamente despreocupada por la rigidez estilística (hecho éste que le ha costado tantos elogios como críticas), no gozó nunca del reconocimiento que seguramente si mereció. Probablemente esto se deba a una deliberada ambigüedad política ejercida durante toda su vida. Los partidos de Izquierda la acusaban de haber trabajado con el régimen franquista (aunque fue sólo de secretaria y para poder llenar el estómago, como ella misma reconocía), pero Gloria odiaba profundamente los autoritarismos, y criticó en diferentes ocasiones a los dictadores y a sus sistemas oligárquicos (especialmente en su tertulia poética femenina “Versos con faldas”). Tal vez, la animadversión hacia la poetisa también se deba a las reiteradas críticas de la misma hacia algunos altos cargos socialistas de la primera época (democrática, se entiende) algo propensos a hinchar sus bolsillos excesivamente.

Por su parte, la Derecha desconfiaba de una autora homosexual (creía que los homosexuales irán al reino de los cielos) tan contestataria y rebelde que cuestionaba, siempre a su manera pero constantemente, el orden establecido. Gloria Fuertes siempre estuvo del lado de los más débiles, de los desahuciados, y siempre presumió de su origen humilde, de su pertenencia a la clase obrera con la que se sentía profundamente identificada y a la que dedicó gran parte de su obra.

Es por eso que Gloria Fuertes use habitualmente un lenguaje coloquial en su poesía, un lenguaje de la calle y casi infantil en ocasiones, que sabe mezclar con total naturalidad con otros tonos burocráticos, formales e incluso religiosos.

Pese a abordar el tema de la soledad y la amargura (incluso la muerte está muy presente en su obra) en muchos de sus poemas, suele hacer que su optimismo venza a esos estados de ánimo quizás tan asumidos, que despoja de su solemnidad en cualquier momento con ese coloquialismo siempre, a la postre, vencedor. Dotando en cuanto le es posible a los hechos cotidianos de un nuevo significado, de una nueva esperanza bajo ese manto de sencillez.

Gloria Fuertes tenía también un punto de vista profundamente femenino de la vida, maternal en muchas ocasiones. Desbarata los clichés del amor (bueno, y todos), odia la institucionalización de las relaciones personales, pues considera que el amor no lo debe organizar la sociedad, sino que debe fluir de un modo natural. No entiende la monogamia y aboga por un “carpe diem sentimental” que venza al dolor de saber con certeza que la relación en que estemos inmersa no tardará en terminar.

Pese a ello, su postura no es la de una feminista radical, sino que se encuadra en una moderación que busca la mejora social no sólo para la mujer, sino para todos los desfavorecidos, para todos los que, como ella, provienen de las capas más humildes de la sociedad, algo que se evidencia en su obra. Ella llega a considerarse “...más pacifista que artista. Más humanista que feminista...”.

Su autor preferido fue Unamuno, aunque además podemos citar entre sus influencias la poesía de la Edad de Oro (con Góngora a la cabeza), Gil de Biedma, Rosalía o Machado, pero también autores religiosos como Sor Juana o San Juan de la Cruz a quien dedicó un poema dirigiéndose a él como Juanito. Sin embargo, pese a tener presente la tradición religiosa, Gloria Fuertes en su poesía hace un canto a la vida en la tierra, y desconfía de la ortodoxia religiosa de misa dominical y rectitud impenitente. A ella, sencillamente, le cae bien Jesucristo porque ayudaba al necesitado y era, como ella, de origen sumamente humilde.

Porque lo que Gloria Fuertes hacía era eso, ayudar con su poesía a los demás, acercarla al que la necesitaba. Siempre con su visión femenina y la mirada puesta en los más sencillos, en la clase obrera más explotada, sin significar esto que el pesimismo inunde su obra, pues ella de origen también humilde (“nací para puta o payaso”) mantiene un optimismo vital y pone buena cara a la vida, animando a sus lectores a imitarla.

La suya es una sabiduría de calle, optimista. Nadie es malo por naturaleza (como bien decía Rousseau), sonríe a la vida, y así se expone a los demás, le hagan caso o no. Lo suyo son ansias de libertad para ella y sus semejantes. Con todo, esto no hace de ella una mojigata inocente, Gloria Fuertes también sabía sacar el carácter, y lo hacía a menudo.

Gloria Fuertes buscó siempre la complicidad de sus lectores. Su poesía obligaba a poner mucho de uno mismo, a reinterpretarla. Es una literatura de doble lectura en contra del cliché, que requiere ser releída para dar con esa interpretación menos ingenua, más profunda, cuestionando a su manera el orden establecido, porque su poesía, como bien se encargó de advertir, era una poesía muy trabajada, con unos versos estudiados metódicamente, pese a su aparente desaliño e improvisación.

Gloria Fuertes murió tal día como hoy hace diez años víctima de un cancer de pulmón (era una ávida fumadora), y en un acto de coherencia propio de alguien como ella, donó 110 millones de pesetas que había ganado en apariciones públicas a una institución infantil, devolviendo a los niños lo que les correspondía, pues fue gracias a ellos que amasó esa cantidad de dinero. En la Fundación, que lleva su nombre, se encuentra su archivo, cerrado al público, que recoge centenares de inéditos y hasta 12000 papelitos, pues solía escribir en cualquier circunstancia (y a diario).

Para terminar os dejamos con esta autobiografía de la poetisa madrileña.

Gloria Fuertes nació en Madrid
A los dos días de edad,
Pues fue muy laborioso el parto de mi madre
Que si se descuida muere por vivirme.
A los tres años ya sabía leer
Y a los seis ya sabía mis labores.
Yo era buena y delgada,

Alta y algo enferma.
A los nueve años me pilló un carro
Y a los catorce me pilló la guerra;
A los quince se murió mi madre, se fue cuando más falta me hacía.
Aprendí a regatear en las tiendas
Y a ir a los pueblos por zanahorias.
Por entonces empecé con los amores,
-no digo nombres-,
gracias a eso, pude sobrellevar
mi juventud de barrio.
Quise ir a la guerra, para pararla,
Pero me detuvieron a mitad del camino.
Luego me salió una oficina,
Donde trabajo como si fuera tonta,
-pero Dios y el botones saben que no lo soy-.

Escribo por las noches
Y voy al campo mucho.
Todos los míos han muerto hace años
Y estoy más sola que yo misma.
He publicado versos en todos los calendarios,
Escribo en un peridico de niños,
Y quiero comprarme a plazos una flor natural
Como las que le dan a Pemán algunas veces.

Antonio

miércoles, 26 de noviembre de 2008

Música & Drogas II

“Las drogas en el punk británico. Suciedad, Furia y Velocidad” (II) (por Diego Manrique Núñez)

Las visitas a Inglaterra en 1976 de los Ramones y Johnny Thunders & The Heartbreakers (la mitad de los New York Dolls más el es Television Richard Hell) prendieron la mecha de un movimiento en pañales. Pero no sólo en lo musical: en el círculo neoyorquino la heroína estaba ampliamente arraigada y los ingleses también quisieron imitar esa parte. “Yo fui quien le hizo probar la heroína a Johnny Roten, el primero que le inyectó. No estoy orgulloso de ello. No me gustó, y no volví a hacerlo con nadie. Yo presenté a Nancy y a Sid, y fue ella quien incitó a Sid a Probarla. Una vez, pinché a Sid hacia atrás, con la aguja apuntando a la vena de arriba abajo, y él no sabía que se pudiese hacer eso. Estaba asustadísimo, pero no se atrevió a decir nada. Lo de los Pistols era teatro (...) Eran unos críos. Nosotros éramos mucho mayores. Cuando llegaba el momento de poner el instrumental sobre la mesa y calentar el caballo, se acojonaban”contó Jerry Nolan, batería de los Heartbreakers en Por favor, mátame, la bíblia del punk americano.

Entran aquí a escena dos iconos fundamentales: Sid Vicious y Nancy Spungen. Vicious no cogió el bajo en los Pistols hasta principios de 1977, sustituyendo a Glenn Matlock, pero antes ya estaba metido en el mundillo. Dee Dee Ramone también lo conoció en 1976, poco después del seminal concierto de los Ramones en el Roundhouse londinense: “Alguien me preguntó si quería algo, y dije ‘si, un poco de speed’. De repente, me encontré con un enorme montón de speed en las manos. Entonces Sid sacó una jeringuilla, introdujo en ella una buena cantidad de speed, metió la aguja en el retrete lleno de vómitos y meados y la cargó. No lo calentó. Lo movió un poco, se lo clavó en el brazo y despegó”.

También Nancy era un personaje de Nueva York: groupie, bailarina de striptease, yonqui y prostituta ocasional, llegó a Londres pesiguiendo a los Heartbreakers, pero allí encontró a Sid y quedaron unidos hasta que la muerte los separó. La tormentosa relación de Sid y Nancy se basaba en gran parte en el consumo de heroína, lo cual, evidentemente, no favorece la implicación de Vicious en unos Sex Pistols que en noviembre de 1977 ya eran número uno en Gran Bretaña con su debut, Never mind the bollocks. Malcolm McLaren llegó a intentar el secuestro de Spungen para llevarla a Estados Unidos y alejarla de su pupilo, pero no sirvió de nada. Si acaso, para unir más a la pareja tóxica. Ya en 1978, los Pistols marcharon a su primera gira norteamericana, que acabó en un fenomenal caos –como ya había pasado en su Anarchy in the UK tour- y en la separación del grupo. Nancy y Sid cada vez estaban más colgados, y él sufrió, nada más romper con los Pistols, una sobredosis. El 12 de octubre, Sid fue detenido por haber asesinado a Nancy con un cuchillo en el Hotel Chelsea de Nueva York. Negó ser el autor (dijo haber estado durmiendo en la bañera, demasiado puesto, mientras Nancy moría) y salió de la cárcel pagando una fianza, pero no pudo llegar a demostrar su inocencia: el 1 de febrero de 1979 fallecía tras inyectarse una dosis excesiva de heroína muy pura.

La muerte de Sid y Nancy significó también el final de la época más brillante del punk británico –salvo los Clash, el resto de los grupos fueron cuesta abajo, y para 1985 casi todos se habían separado- y el comienzo de muchas muertes debidas al caballo. El caso más dramático fue el de los Pretenders: en 1982 moría James Honeyman-Scott, y en 1983 el bajista Pete Farndon, después de meterse una speedball de heroína y cocaína.

Al analizar lo ocurrido en esos años, sorprende el cinismo de Malcolm McLaren:”¿De verdad que se pinchaban en los lavabos mientras yo me ocupaba de todo? Yo no sabía nada. Por lo que respecta a las drogas, yo no tenía ni idea de lo que tomaban” (Por favor, mátame). Johnny Rotten, el líder de los Sex Pistols que se vio amenazado por el desaliñado carisma de Vicious, al menos ha reconocido saber lo que pasaba, aunque con la ironía y aires de superioridad marca de la casa: “No hay personalidades adictivas. Hay personalidades vagas, gente que se hace dependiente de algo que no necesita realmente. Y Sid era de ellos, y además tenía un tremendo problema de ego. No pudo superarlo, y lo peor es que se ha creado alrededor de su muerte toda una cultura en la que las bandas piensan que ser un yonqui es fantástico y que la muerte es el único final fabuloso”. Implacable y consumidor de speed en su momento y de alcohol siempre (“el alcohol no es un problema”) su tanteo con la heroína antes relatado también recibe una tajante opinión: “Es una mierda. Todo el mundo se metía y yo estaba en contra, pero me decían que no podía opinar si no lo probaba. Bien, lo probé, no una sino dos veces y lo odié. Es una estupidez, una droga de perdedores”.

También los Clash tuvieron enormes problemas con el caballo. En 1982 tuvieron que despedir a Topper Headon , batería que llevaba desde 1979 enganchado, en 1981 ya tenía que consumir 100 libras al día (“para estar normal”, en sus palabras), y a finales de ese año fue detenido en el aeropuerto de Heathrow tratando de pasar una pequeña cantidad. Mick Jones, el genial guitarrista de los Clash, había sido también arrestado, en 1978, aunque por posesión de cocaína. Fue éste un caso único de esos años: la cocaína iba contra los principios punk, era la droga de las decadentes y viejas estrellas de rock (las cosas cambiarían según comenzara la década de los 80, y su uso se generalizará , incluso la combinación con el caballo en las speedballs ya mencionadas). También los alucinógenos estaban pasados para los punks, eran cosa de hippies, aunque gente como Pete Shelley, el cantante de los Buzzcocks, estuvo una época muy pillado con el LSD.

Fueron, sin duda, dos de las drogas que protagonizaron el punk inglés: el speed, que lo propulsó, y la heroína, que lo mató.

martes, 25 de noviembre de 2008

Ya es Navidad

Ya falta menos para que nuestros hogares se llenen de paz y armonía (cuando oigo a los niños de San Ildefonso, entónces es Navidad) , para que nos demostremos unos a otros el profundo amor que nos profesamos, lo mucho que disfrutamos en compañía de la familia...esa noche (y con los estómagos destilando los más exquisitos néctares, que degradan a la ambrosía a mero aperitivo frugal)....
...
Hoy, 25 de noviembre, a un mes vista para la fecha más hipócrita del año, nos vemos plenamente imbuídos en la vorágine consumista. Es cierto, este año los ingresos serán inferiores debido a la consabida crisis (¿os suena?), pero, ajenos a la misma, el pasado fin de semana unos conocidos grandes almacenes daban el pistoletazo de salida a la campaña más ambiciosa y despiadada de todas las que nos seducen a lo largo del año, decorando sus establecimientos e iluminando sus fachadas. Si, ya es Navidad en el Corte Inglés (¡uy!), y, por ende, en todos lo hogares españoles (madre mía ¿Sabes a cuánto están las angulas en el Mercafour?, Yo el marisco lo compré en noviembre, no sabes lo que te ahorras...).

La Navidad es, en principio, una fiesta cristiana. Aquella que celebra el nacimiento de Jesús en Belén. Si, exactamente, Jesucristo, ese personaje harapiento y andrajoso, humilde hasta decir basta que pasó su vida rodeado de semejantes, procurando su bienestar, comiéndoles, en cierta medida, el tarro, e incluso convirtiéndoles el agua en vino (gran pasaje aquél), que estoy convencido que en estos días no tendría la tarjeta VIP de ningún emporio comercial...

Sin embargo, ahí están (y estarán), todos en la calle (con sus devotos feligreses encabezando la campaña), compitiendo codo con codo por demostrar sobradamente el amor que profesan a los suyos (como no le guste me lo tira a la cara...), buscando el vestido perfecto para lucir en nochevieja (Feliz entrada y salida de año), masticando cada grano de uva (con las bragas rojas, por supuesto) en un acto de suprestición pagana incongruente (jaja, qué cara ha puesto la abuela) y con la habitación llena de confeti el primero de Enero (yo creo que pusieron garrafón, de otra manera no lo entiendo)..

Después, tras la resaca, llegan los Reyes Magos, sus majestades, batiéndose un año más el cobre en una encarnizada contienda con Santa Claus (es rojo por la cocacola, antes era verde, blablabla), cargados de regalos cada vaz más originales (¡¡¡¡que guay, justo la controladora Sunix 3710 basada en el chip SiI68o de Silicon Image que quería!!!), que vienen acompañados por un delicioso roscón (¿ves? por ahí si...), ¿Has sido bueno este año?.

Y tras el caos desenfrenado, llega la calma más absoluta, la recapitulación, la crítica (menuda se puso tu hermana. Pues, para el dinero que tienen, vaya mierda de regalo), y al fondo, amenazante, desalmada e inevitable...la cuesta de Enero (ya queda menos para las rebajas).

Nada, chicos, si hibernar no es la opción elegida este año y afrontáis estas fechas con la abnegación habitual, desde aquí os recomendamos que uséis vuestro sentido del humor, que os deshagáis en piropos hacia los vuestros, que bebáis más vino que nadie, que soltéis la lagrimita más sincera al abrazaros a aquel tío (¿pero también bebe ginebra?) que os jura y perjura, entre pucheros, que sois su sobrino preferido, que saquéis, en definitiva, lo positivo que en estas fechas, sin duda, podemos encontrar (escarbando, escarbando...).
...
Pero, mira como beben...
...
Antonio

lunes, 24 de noviembre de 2008

Aire Fresco


Hoy, desde "Yo ya te lo dije", os queremos recomendar a dos bandas emergentes. Ambas vienen del Norte y acaban de publicar sus respectivos discos de debut, se trata de Indienella y Pickpockets.

Indienella proceden de Gijón, son Sofía Pedreira (voz y batería) y Luis Mayo (guitarra, bajo y voz), y han autoeditado su estreno, que se llama como ellos, “Indienella”, exclusivamente en vinilo y en una edición limitada de 500 copias cuidadísima.

Grabaron su primera maqueta en Abril de 2006 (en los estudios de Jorge Explosión, Circo Perroti, producidos por el mismo Jorge), quedando con ella en el sexto lugar del concurso de maquetas del Contempopranea 2007. Aparecieron posteriormente, además, en diversos recopilatorios ("Diversiones",“U-9”, “Lolitas, vol.6” y “Pop a Porter”).

Indienella facturan en apenas veinte minutos (es un LP a 45 rpm) diez pildorazos de punk pop lo-fi vigoroso, fresco y muy personal, con marcadas influencias muy bien asimiladas. Ellos mismos citan entre éstas a Guided by Voices, Beat Happening o The Gories, aunque bien podríamos añadir nosotros a Hello Cuca, TCR o Iluminados.

Esta pareja son como unos White Stripes asturianos (a mí me gustan más), con Sofía cantando desde detrás de la batería y con Luis, quien dirige desde hace años el programa de radio “Otra dimensión” en la RTPA, dándolo todo a la guitarra.

“Mundo pop”, “Noche de los muertos vivientes”, “Ocho menos diez”, “Hoy te veré” o “Luz de gas” son sólo algunas de las sensacionales canciones que Indienella os proponen para olvidar la crisis, el invierno o la preocupante inmediatez de la navidad. En definitiva, banda más que prometedora que en directo (según nos comentan) ofrece un torrente fantástico de melodías frescas y arrebatadoras.
...
Juan de Pablos está entusiasmado con ellos, y tú, en cuanto los escuches, también lo estarás. Esperamos poder verlos pronto por aquí.

Por su parte, desde León nos llega “Underworld”, el debut de los Pickpockets, otro soplo de aire fresco dentro del panorama pop facturado dentro de nuestras fronteras, en este caso, power pop con reminiscencias del revival mod y la new wave.

Se trata de un trío compuesto por Jorge, Carlos y Jacob que se formó allá por 2004 y que encuentra su origen en los Flamarions, ya que sus tres componentes proceden del veterano conjunto de rock ignominioso. En marzo de 2005 grabaron su primera maqueta bajo el nombre de Pickpockets.

El disco está autoeditado, grabado entre el estudio de Jorge, guitarra y voz principal de este trío hipervitaminado y los Feedback Studios y, como en el caso de Indienella, con tan sólo 500 copias disponibles (cd). Canciones que, en su mayoría, no superan los tres minutos y que deberían ser las que salvaran la noche de muchos aficionados al pop si hubiese justicia, son los ingredientes principales de "Underworld"

Ecos de los Jam y del revival, de los Only Ones, de los Jacobites, de los Nerves, o de los Smithereens vienen a la mente del avezado oyente de este grupo leonés. Incluso, llegan a recordar el desparpajo pop de Substitutos o la vitalidad garajera de Doctor Explosión y Art School.

“Payin’ my rent everyday” es una de mis canciones de este mes, además viene abrigada por otros doce cortes, como doce soles, de guitarras desenfrenadas, melodías impecables y buen gusto, entre las que destacaría “I’m in love with you”, “Hail to me”, “Never see me again” o “Tougher Skin”.

Si vas a León, los encontrarás en el Mongogo disfrutando de alguna canción de los Chords, o de los Plimsouls. Acuérdate de encargarles su próximo trabajo, pues parece que ya disponen de las canciones listas para que sean inmortalizadas.

Leído esto, ¿No os apetecería un cartel que uniese a estos dos grupos (y a Chiquita & Chatarra de los que os hablaremos próximamente) sobre algún escenario cercano?
...
Antonio

Música & Drogas I

El 17 de Diciembre de 2003 salía a la calle un número especial de la revista de la cultura del cannabis CAÑAMO. Se obsequiaba en esta ocasión a los compradores con un disco exclusivamente grabado por Los Planetas para la ocasión, titulado “Los Planetas se disuelven”. Se trataba, como decía, de un número especial que bajo el título “Música y Drogas” analizaba la relación que ha existido históricamente entre el consumo de determinadas sustancias y la composición e interpretación musical.

Es una publicación sin desperdicio, dividida en diferentes capítulos y que nos sorprende (relativamente) aclarando, sin tapujos, la enorme influencia que ha supuesto para muchos músicos en su carrera musical la presencia en su vida de las drogas. Músicos que van desde antiguos chamanes a los djs actuales, pasando por compositores clásicos (Berlioz, Wagner o Richard Strauss), hasta llegar a los actuales grupos indies patrios, habiendo analizado antes a gran cantidad de grupos de los años sesenta y setenta, la escena de Manchester, los pioneros del Jazz y del soul o estrellas del flamenco, entre otros.

Es un documento de gran interés, y si os quedasteis en su día sin vuestro ejemplar, desde “Yo ya te lo dije” os queremos resucitar algunos de los fragmentos más interesantes.

Para empezar os dejamos con la primera parte del capítulo titulado: “Las drogas en el punk británico. Suciedad, Furia y Velocidad” (I) (por Diego Manrique Núñez)

El punk estalló en el Reino Unido como una bomba. Los británicos no lo inventaron, desde luego, pero moldearon los fundamentos que llegaron de Estados Unidos hasta convertirlo en lo que luego sería su modelo más reconocible: Música rápida y feroz que expresaba la rabia de una generación de chavales desorientados, en medio de la peor crisis vivida por el antaño poderoso Imperio Británico.

El clima social era el adecuado, y también lo era el musical: los viejos dioses rockeros de los sesenta estaban acabados y/o excesivamente endiosados. De Norteamérica llegaba el eco de un excitante nuevo rock creado por los Ramones, los New York Dolls o –unos años antes- Iggy Pop y MC5. Sólo hacía falta que alguien mezclara estos elementos a la manera inglesa. Ese alguien fue Malcolm McLaren, un inteligente y maquiavélico terrorista cultural que había echado el ojo a las posibilidades de este movimiento cuando vivió en Nueva York . Hacia el final de 1974 fue manager de unos agonizantes New York Dolls, rotos por la heroína y el alcohol, y les convenció para cambiar su imagen y que aparecieran en escena ante banderas de la URSS y la China Comunista. Era una provocación de tintes políticos similar a las que a partir de 1976 usaría con los Sex Pistols, el grupo que formó con varios chavales que pululaban por Sex, la tienda de ropa que dirigía en King’s Cross, Londres (y por la que también andaban gente como Siouxie Sioux, Chryssie Hynde o Billy Idol, más tarde estrellas del punk –o del post punk- en Siouxie & The Banshees, Pretenders o Generación X).

Los Pistols fueron los responsables de la creación de una escena punk mucho más agesiva que la estadounidense: si las letras eran furibundas proclamas nihilistas, los conciertos eran orgías de escupitajos, pogo brutal y, muy frecuentemente, peleas a puñetazos. La violencia era consustancial a la situación social, pero también influían ciertos factores de consumo, pues unida a la ancestral cultura inglesa de la cerveza, estaba la tradición anfetamínica: era la droga de los teddy boys en los 50 y, sobre todo, la de los mods desde los 60. A mediados de los 70 la anfetamina ya no se tomaba en pastillas desviadas de su destino farmacéutico, sino en speed cocinado para su venta en la calle.

Es obvio que el speed era la sustancia idónea para una música rápida y furiosa, y no sería muy arriesgado afirmar que fue el combustible que también impulsó a importantes bandas surgidas a rebufo de los Pistols, como los Buzzcocks (su primer ep, Final Scratch, contiene varias referencias de su cariño a las anfetaminas), los gamberros Damned (y su oda psicoactiva “So messed up”) o los Pretenders (la leyenda cuenta que el guitarrista James Honeyman-Scott recibió speed como pago a sus primeras sesiones de grabación). Ni siquiera los Clash, único grupo que pudo competir con los Sex Pistols mientras estos duraron, tan concienciados como eran se resistían a los encantos de las anfetas en polvo. Su políticamente correcto lider, Joe Strummer, conocido (e incluso arrestado) por su pantagruélico consumo de marihuana, recordaría años después los efectos de su afición por el speed hacia 1977:”Tenía unos bajones en los que me hubiera machacado la cabeza con un martillo. Llegó un momento en el que el subidón no merecía la pena”.

Un personaje del entorno de los Clash, Alan Drake, resumió años después, en declaraciones para una biografía del grupo, Last Gang in Town, la importancia del speed en la escena:”Todo el mundo usaba drogas. Y en ese momento era speed, speed y más speed. Si no hubiera sido por el speed, la mitad del punk no hubiera ocurrido”. Pese a que todo el mundo consumía, algunos pasotes no eran permitidos. Así, Keith Levene, guitarrista fundador de los Clash (y luego compañero de Johnny Roten en PIL), fue expulsado en un confuso episodio: Levene se metía speed por vía intravenosa, y sus compañeros pensaron que se trataba de heroína. No lo era, pero no tardarían en verla de verdad.